• “Die Wahrheit ist dem Menschen zumutbar.” Eine Annäherung. 2020.
• Heimat. 1999.
• Die Freundschaft: Exzerpte. 1997 - 2020.
• Das Jahr 1492. Kurze und lange Erinnerungen. 2020.
• Sissi und Heine. 2020
• Geschichte der Pfalz. 2004.
• Bild und Sprache. 2020.
• Die Bildtheorie Wittgensteins. 2020. 
• Schönheit ist der Glanz des Wahren. 1994 - 2020.
• Ambulante Hospizarbeit: Ein Plädoyer für das Ehrenamt. 2007. 
• Krokus. 1972.
• Atlantis. 1972.
• Götterspeise. 2020.
• Des Photos Schatten. 2020.
• Meine liebsten Lyriker*innen im Mai 2020.
• Gold. 2004/2021.
• Abschied und Danke. 2020.
• Warum schmecken Plätzchen so einzigartig? 2022.
• Der Frühling in Sprache und Lyrik. 2022.
• Einführung zu den Kamelien. Februar 2022.
• Begrüßung zur Vernissage der Aquarellausstellung von Vera Niederau zum Thema „Kevelaer und der Niederrhein“ am 18. Mai 2022
• Dankesworte anlässlich der Verleihung der Ehrenmitgliedschaft des Ambulanten Hospizes Oberhausen e.V. am 9. September 2022
• Grußwort zum 30-jährigen Bestehen der Gaucher Gesellschaft Deutschland e.V.  am 19.11.2022
• Die Rose. Im Mai 2023.
• Gedanken und Gedichte zum Monat April. Im April 2024.
• Die Farbe BLAU. Im Mai 2025.
• Gott, Mensch und Natur. Eine Reise durch Philosophie und Literatur. Im März 2026.

“Die Wahrheit ist dem Menschen zumutbar” lautet der Titel der Dankesrede von Ingeborg Bachmann anlässlich der Verleihung des Hörspielpreises der Kriegsblinden am 17. März 1959 im Bonner Plenarsaal des Bundesrates (1). Mich hat dieser Satz als Mensch und Arzt ein Leben lang begleitet und geleitet. Besonders bedeutsam ist die Annäherung an Wahrheit bei Fragen von Liebe, Glaube, Hoffnung, Sterben und Tod. Ich habe über mehr als zwei Jahrzehnte eine Klinik mit Intensivstation geleitet und bin Vorstand eines ambulanten Hospizes. Hier geht es im wahrsten Sinne des Wortes jeden Tag um Leben und Tod. Neben meinem Glauben haben mir Literatur und Philosophie geholfen, mich der alltäglichen Wahrheit anzunähern. Das Ringen um Wahrheit begleitet uns alle, immer und überall.

Die Adäquations-Theorie hat seit mehr als 2000 Jahren die Diskussion um die Wahrheit dominiert (2-3). Diese Theorie prüft, ob Gedanken und Worte adäquat zur Wirklichkeit passen und eben dann wahr sind (2-3). Der Skeptizismus hinterfragt seit der Antike, ob es überhaupt gelingen kann, Wahrheit zu erkennen (4). Für kritische Menschen mag Wahrheit ohne die Möglichkeit von wissen und prüfen fragwürdig erscheinen. Die Adäquations-Theorie ist nicht epimistisch. Der Satz „Die Erde ist eine Kugel“ ist wahr oder falsch, ob wir es nun wissen oder nicht. Die Wahrheitstheorie ist im letzten Jahrhundert durch Ludwig Wittgenstein vorangetrieben worden (5). Er hat auch beschrieben, wie wichtig soziale Aspekte der Alltags-Sprache für die Wahrheit von Aussagen sind (6). Diese Idee greift die semantische Wahrheitstheorie von Tarski auf (7). Habermas hat sie als Konsenstheorie weiterentwickelt (8), wonach eine Aussage dann wahr ist, wenn sie Anerkennung aller vernünftigen Gesprächspartner verdient und über sie ein prinzipiell unbegrenzter Konsens hergestellt werden kann (8). Viele Philosophen der Postmoderne und Gegenwart lehnen - ähnlich wie die antiken Skeptiker - den Gedanken einer einzigen Wahrheit ab, da es nur miteinander konkurrierende subjektive Wahrheiten gäbe (9).  Der Kritische Rationalismus hält hingegen an der Wahrheit als Idee fest (10). Er erklärt Unterschiede in Meinungen mit ihrer unterschiedlichen Wahrheitsnähe. Gegenstand aktueller Forschung ist es, wie man der Wahrheit mit Wahrheitskriterien oder -indikatoren näher kommt (11). Ich neige zu dieser aktuellen Theorie und denke, dass Kunst und Literatur bei solcher Annäherung helfen.

Ingeborg Bachmann hat sich in ihrer Promotion (12) und mehreren Texten (13) mit Heidegger und Wittgenstein beschäftigt und später literarische Beiträge zum Thema Wahrheit publiziert (13-17). In ihrer Dichtung versucht sie immer wieder, die von Wittgenstein errichtete „Grenze der Sprache als Grenze der Welt“ (5) zu überwinden. Für Wittgenstein ist Sprache der Schüssel zur Wahrheit. Jeder wahre Satz beschreibt einen wirklichen Sachverhalt oder einen realen Gegenstand. Der Mensch kennt nur die Namen der Dinge, nicht die Dinge selbst (5). Wittgenstein ermuntert uns aber, die Sprache als Werkzeug zu erkennen, denn nur so kann man der Welt gegenübertreten (5). Ethik liegt jenseits der Sprachgrenze. Die Kunst kann Sprache und Ethik über Grenzen weg verbinden. Diese Gedanken durchziehen die Kunst der Ingeborg Bachmann. 

„Die Wahrheit ist dem Menschen zumutbar“ (1). Das heißt auch, die Wahrheit kann eine Zumutung sein. Wer die Wahrheit sagt, mutet dem anderen etwas zu. Ingeborg Bachmann mutet den Kriegsblinden sogar folgende Zeilen zu: (1) „So kann es auch nicht die Aufgabe des Schriftstellers sein, den Schmerz zu leugnen, seine Spuren zu verwischen, über ihn hinwegzutäuschen. Er muß ihn, im Gegenteil, wahr haben und noch einmal, damit wir sehen können, wahr machen. Denn wir wollen alle sehend werden. Und jener geheime Schmerz macht uns erst für die Er­fahrung empfindlich und insbesondere für die der Wahrheit. Wir sagen sehr einfach und richtig, wenn wir in diesen Zustand kommen, den hellen, wehen, in dem der Schmerz fruchtbar wird: Mir sind die Augen aufgegangen. Wir sagen das nicht, weil wir eine Sache oder einen Vorfall äußerlich wahrgenommen haben, sondern weil wir begreifen, was wir doch nicht sehen können. „

Als Arzt muss man sich täglich mit Wahrheit und Sprache beschäftigen. Dies gilt besonders für den Umgang mit schwer oder unheilbar Erkrankten. Hier kann die Wahrheit eine ganz bittere Zumutung sein. Man muss die “richtigen Worte” finden, wie bitter die Wahrheit auch bleibt. Manche Menschen wollen die Wahrheit gar nicht hören. Der Arzt kann die Wahrheit nur anbieten wie einen Mantel, in den man hineinschlüpfen kann. Sprache und Wahrheit spielen eine entscheidende Rolle in der Begegnung mit anderen Menschen, vor allem in der Liebe. Hier kann ein “falsches Wort” alles verderben. Kann man ohne Wahrheit leben? Philosophisch kaum, real schon. Man kann es aber nicht mehr, wenn man Ingeborg Bachmann gelesen hat. 

Bei Joh 8, 32 18 heißt es:  „...ihr...werdet die Wahrheit erkennen, und die Wahrheit wird euch frei machen.“ Die Wahrheit kann aber zunächst bitter enttäuschen; trotzdem schreibt Ingeborg Bachmann (1), „daß man enttäuscht, und das heißt: ohne Täuschung zu leben vermag.“ Die Kontroversen der Wahrheitstheorien bestätigen, wie schwierig die Annäherung an Wahrheit ist. Niemand kann Wahrheit mit Löffeln fressen. Niemand hat Anspruch auf die Wahrheit, jeder Mensch kann sich täuschen. Heute leben wir in Orwellschen Zeiten der universellen Täuschung, wo das Aussprechen der Wahrheit zur revolutionären Tat wird. Man kann enttäuscht von der Wahrheit weiterleben. Nach Ingeborg Bachmann ist dann sogar eine Art des Stolzes gerechtfertigt (1): “...der Stolz dessen, der in der Dunkelhaft der Welt nicht aufgibt und nicht aufhört, nach dem Rechten zu sehen.“ Diese Ermunterung habe ich den ehrenamtlichen Sterbebegleiter*innen des Ambulanten Hospizes immer wieder mit auf den Weg gegeben.

Die Wahrheit durchzieht als Motiv das Werk von Ingeborg Bachmann. Die Kunst möge die Wahrheit sagen, so dass einem die "Augen aufgehen" (1). Schon die gewagte Utopie, Blinde sehend zu machen, deutet auf die Schwierigkeiten, sich mit dem Begriff Wahrheit zu nähern. Wie sieht man, wenn man die Augen nicht sehen können? Iso Carmatin hat in seinem Essay zur „Macht der Musik“ geschrieben (19): „Dabei ist es nicht so sehr das Ohr, das die Wirkung der Musik ins Herz trägt, als das Herz, das sie zum Ohr trägt.“ So mag es auch nicht so sehr das Auge sein, das die Wirkung des Gesehenen ins Herz trägt, als das Herz, das sie zum Auge trägt. Ingeborg Bachmann war eine sehr gute Kennerin der Literatur. So ist ihr Gedicht „An die Sonne“ eine Hymne an die deutsche Lyrik mit Rückverweisen an eine Vielzahl von deutschen Gedichten (20). In dem Bild „Mir sind die Augen aufgegangen“ zitiert Ingeborg Bachmann mit William Shakespeare den berühmtesten aller Vordichter, der vor mehr als 400 Jahren sein Sonett Nr. 43 mit dem folgendem Vers begann: „Klar seh' ich erst, wenn sich mein Auge schließt“ (21).

Die Kunst soll uns also die Augen aufgehen lassen und uns mit der Darstellung der Wirklichkeit zur Wahrheit führen. Einfach ist dies nicht, auch nicht bei Ingeborg Bachmann. Der Wahrheitsanspruch der Kunst stimmt oft nicht mit unserer Wirklichkeit überein, es besteht eine unübersichtliche Grenze. Dichtung und Kunst können diese Grenze überwinden – mit ethischer Vision und Utopie. Bachmann beschreibt solche Grenzüberschreitungen in ihrem Gedicht „Alle Tage“ (22), im Interview „Ein Tag wird kommen“ 23 und im Gedicht „Böhmen liegt am Meer“ (15). Der erneute Rückverweis auf Shakespeare (24) „Böhmen liegt am Meer“ (15) ist nach Wittgenstein eindeutig ein „falscher“ Satz (5). Dies weiß Ingeborg Bachmann. Trotzdem macht sie den Satz in ihrem Gedicht „wahr“, denn Kunst kann die Grenzen von Logik und Philosophie überwinden.

Sprache und Literatur versuchen, sich der Wirklichkeit und Wahrheit anzunähern. Dass Kunst dabei immer nur Annäherung ist, zeigen gerade Bachmanns Texte. Oft verweigern uns ihre Gedichte, Bilder und Metaphern den Sinn, den wir Lesenden selbst suchen müssen. Auch ein Arzt ist oft nur ein dem Menschen zugewandter Begleiter. So bin ich dankbar, dass mich die Texte von Ingeborg Bachmann bis heute begleitet haben.

In zwei Bachmannschen Gedichten geht es schon im Titel um die Wahrheit: Das eine mit dem Titel „Wahrlich“ ist der russischen Lyrikerin Anna Achmatova gewidmet (15), das zweite stammt aus dem Band „Anrufung des Großen Bären“ (17) und erzählt von Wahrheit und von Sand in den Augen. In diesem Gedicht mit dem Titel „Was wahr ist“ lautet ein Vers „Was wahr ist, rückt den Stein von deinem Grab“ (17). Gott existiert für Ingeborg Bachmann immerhin als Utopie. Als Jenseits nicht verortbar, als Möglichkeit aber denk- und sagbar. Denn: „Böhmen liegt am Meer“ (15).

Bei aller Schönheit und Ambivalenz ihrer Gedichte vergisst man manchmal, dass Ingeborg Bachmann eine ausgesprochen politische Dichterin war. Ihr wohl bekanntestes politisches Gedicht „Alle Tage“ (22) bleibt mir seit dem Gymnasium ein - manchmal utopisches - Vorbild. Der aus dem Gedicht entnommene „Verrat unwürdiger Geheimnisse“ wird später zum Motto der Bewegung von Whistleblowern und Wikileaks. Weitere Texte der Bachmann belegen, dass Utopien wirklich werden können. Aus ihrem Roman Malina (25) stammt die damals utopisch anmutende Vorstellung, dass wieder freie Wisente bei uns leben, die Poesie der Frauen wieder erschaffen und die Luft vom Schmutz befreit wird. Immerhin: Die Luft ist in den letzten Jahrzehnten immer sauberer geworden (26), die Genderdiskussion ist allgegenwärtig (27) und es gibt tatsächlich wieder freilebende Wisente in Deutschland (28). All dies hätte Ingeborg Bachmann gefreut. Sie hat diese Utopien prophetisch beschrieben. Denn „Böhmen liegt am Meer“ (15).

Prof. Dr. med. Claus Niederau im April 2020

Literaturhinweise

1. Ingeborg Bachmann. Die Wahrheit ist dem Menschen zumutbar. Essays, Reden, Kleinere Schriften. Piper Verlag 2011. Mit freundlicher Genehmigung von Andrea Binder, Piper Verlag.
2. Hans Reiner. Die Entstehung der Lehre vom bibliothekarischen Ursprung des Namens Metaphysik. Geschichte einer Wissenschaftslegende. Zeitschrift für philosophische Forschung 1955: 9: 77-99.
3. Thomas von Aquin.:Von der Wahrheit (De veritate, Quaestion I). Lateinisch - Deutsch, ausgewählt, übersetzt und herausgegeben von Albert Zimmermann, Hamburg 1986. Online im Corpus Thomisticum.
4. Julia Annas, Jonathan Barnes: The Modes of Scepticism. Ancient Texts and Modern Interpretations. Cambridge 2003.
5. Ludwig Wittgenstein. Tractatus logico-philosophicus, Logisch-philosophische Abhandlung. Suhrkamp Verlag 2003. 
6. Ludwig Wittgenstein. Logisch-philosophische Abhandlung, W. Ostwald (Hrsg.), Annalen der Naturphilosophie 1921 (http://digital.slub-dresden.de/sammlungen/titeldaten/15325484L/)
7. Alfred Tarski. The Semantic Conception of Truth and the Foundations of Semantics. Philosophy and Phenomenological Research 1944; 4: 3.
8. Jürgen Habermas. Wahrheitstheorien. In: Helmut Fahrenbach (Hrsg.): Wirklichkeit und Reflexion. Neske, Pfullingen 1973-. Ebenfalls in: Vorstudien und Ergänzungen zur Theorie des kommunikativen Handelns. Suhrkamp Verlag 1984.
9. Ernst von Glasersfeld: Der Radikale Konstruktivismus. Ideen, Ergebnisse, Probleme. Suhrkamp  Verlag 1996.
10. Siegfried J. Schmidt. Konstruktivismus auf dem Wege. Shoebox House. Sammlung Flandziu, Band 3. Hamburg 2017.
11. Gunnar Skirbekk. Wahrheitstheorien. Eine Auswahl aus den Diskussionen über Wahrheit im 20. Jahrhundert. Suhrkamp Verlag 1977.
12. Ingeborg Bachmann. Die kritische Aufnahme der Existentialphilosophie Martin Heideggers. (Dissertation Wien 1949). Piper Verlag 1985.
13. Ingeborg Bachmann. Frankfurter Vorlesungen. Piper Verlag 1982.
14. Ingeborg Bachmann. Wir müssen wahre Sätze finden. Gespräche und Interviews. Hrsg.: Christine Koschel, Inge von Weidenbaum, Piper Verlag 1983.
15. Ingeborg Bachmann. Liebe: Dunkler Erdteil. Piper Verlag 1982.
16. Ingeborg Bachmann. Die Wahrheit ist dem Menschen zumutbar: Essays, Reden, Kleinere Schriften. Piper Verlag 2011.
17. Ingeborg Bachmann. Anrufung des großen Bären. Piper Verlag 1956.
18. Die Bibel nach Martin Luthers Übersetzung. Deutsche Bibelgesellschaft, Stuttgart 2016
19. Iso Camartin. Die Macht der Musik. Graziendienste. Suhrkamp Verlag 1999.
20. Peter von Matt. Wörterleuchten: Kleine Deutungen deutscher Gedichte. DTV Verlag 2011.
21. William Shakespeare.  Sonett Nr. 43. Übersetzt und nachgedichtet von Max Josef Wolff, Musaicum Books. OK Publishing 2017.
22. Ingeborg Bachmann. Die gestundete Zeit. Piper Verlag 1957.
23. Ingeborg Bachmann. Ein Tag wird kommen. Gespräche in Rom. Ein Porträt von Gerda Haller. Jung und Jung Verlag, Salzburg - Wien 2004.
24. William Shakespeare. The Winter's Tale. The Arden Shakespeare Third Series. William New Edition 2010.
25. Ingeborg Bachmann. Malina. Suhrkamp Verlag 1974.
26. www.umweltbundesamt.de/themen/luft/daten-karten/entwicklung-der-luftqualitaet#entwicklung-der-luftqualitat-in-deutschland
27. Ines Kappert. 30 Jahre Judith Butlers „Gender Trouble“: Gewissheiten in Frage stellen. taz.de. 14. März 2020.
28. www.welt.de/regionales/nrw/article191007025/Rothaargebirge-Kompromiss-im-Streit-ueber-wilde-Wisent-Herde.html

Zwei Schwanzmeisen am Biotop in Alstaden 2020.

Die Freundschaft: Exzerpte.

In den vergangenen 30 Jahren habe ich bei Geburtstagen und Festen zum Thema „Freundschaft“ referiert. Auf deren Wunsch waren „Lions-Freundschaft“ und „Männerfreundschaft“ Varianten der Thematik. Nun habe ich diese Reden noch einmal gelesen und gemerkt, dass sich in den vergangenen 30 Jahren einiges zum Thema Freundschaft getan hat. Dazu gehören insbesondere die bis heute nicht abgeschlossene Genderdiskussion und das große Projekt der neuen Medien. So versuche ich, meine Gedanken zum Thema Freundschaft im April 2020 zusammenzufassen und zu aktualisieren.

Traditionelle Freundschaftsbegriffe in Philosophie und Literatur - Männerfreundschaften

„O meine Freunde, Freunde gibt es nicht“. Das Zitat stammt aus Jacques Derridas Artikel „Die Politik der Freundschaft“, der - im Jahr 1997 publiziert - sich fast ausschließlich mit diesem einen Satz beschäftigt (1): „O meine Freunde, Freunde gibt es nicht.“ Auch Derrida zitiert, und zwar Michel de Montaigne, dessen aus dem 15. Jahrhundert stammender Essay „Über die Freundschaft“ eben dieses Zitat enthält (2). Es ist - so Montaigne - das von Aristoteles so gern benutzte Wort (3). Neuere Arbeiten zeigen, dass die Vorstellungen Platons (4) sich nicht sehr von denen des Aristoteles unterschieden (5).

Der Begriff Freundschaft hat die Philosophie über mehr als zwei Jahrtausende bis in die Gegenwart fasziniert (6-7). Alle bedeutenden Abhandlungen zur Freundschaft beklagen ihre Gefährdung. Matthias Claudius (8) beschreibt dies so: „Von der Freundschaft spricht nun einer: sie sei überall; der andere: sie sei nirgends - und es steht dahin, wer von beiden am ärgsten gelogen hat.“ Wenn die Philosophie das Thema bis heute diskutiert, scheint es nicht ganz einfach, sich dem Phänomen zu nähern. Vielleicht gibt es wenigstens eine einfache Antwort auf die Frage: Was bedeutet „Männer-Freundschaft“. Tatsächlich gab es in der Literatur und Philosophie bis in die 1960er Jahre fast nur Berichte und Abhandlungen zu Männer-Freundschaften. Dies heißt aber nicht, dass es nicht zuvor auch Frauenfreundschaften gegeben hat, diese wurden allerding damals nicht öffentlich oder systematisch thematisiert. Alle großen philosophischen Diskussionen zur Freundschaft schließen die Freundschaft zwischen Frauen einerseits und die Freundschaft zwischen einem Mann und einer Frau andererseits aus. Dies zieht sich bis in die heutige Forschung. Zwar werden nun auch Frauenfreundschaften akzeptiert, eine Freundschaft zwischen Frau und Mann wird aber quasi „per definitionem“ ausgeschlossen (9-11).

Worin ist diese doppelte Ausschließung des Weiblichen in der Philosophie der Freundschaft begründet? Bei der Freundschaft zwischen einem Mann und einer Frau mag immer ein wenig Erotik mitspielen, so unbewusst sie auch sein mag. Und doch - es gibt keine Liebe, die nicht von Freundschaft begleitet wird, und es gibt keine wahre Freundschaft ohne Liebe. Nietzsche hat dies im Zarathustra so formuliert (12): „Allzulange war im Weib ein Sklave und ein Tyrann versteckt. Deshalb ist das Weib noch nicht der Freundschaft fähig: es kennt nur die Liebe.“ Man mag dies als Macho-Sprüche abtun, Nietzsche fährt im Zarathustra aber so fort (12): „Aber sagt mir, ihr Männer, wer von euch ist denn fähig der Freundschaft? Es gibt Kameradschaft - möge es Freundschaft geben.“

Die schönste Eigenschaft der Freundschaft ist nach Iso Camartin (13) ihre Diskretion im Umgang mit den Gefühlen. „Freundschaft gedeiht im Windschatten der Sinne.“. Freunde ... stellen nichts zur Schau und haben nichts zu beweisen. Ihre Zuneigung ist langsamer gereift, wie Augustinus schreibt, von der Sonnenwärme gemeinsamen Strebens“ (14). Das gemeinsame Streben ist auch ein Grundstein der Freundschaft bei Lions und Rotariern.

Frauenfreundschaften
„Viel Feind, viel Ehr.“ Ich kenne Männer, die diesen Spruch geradezu verehren. Meine Frau kann dazu nur den Kopf schütteln. „Der Spruch stammt von Georg von Frundsberg, der 1513 ein zahlenmäßig überlegenes venezianisches Heer besiegte (15). Ein wohl auch männlicher Spruch lautet: Nicht der Freund, sondern der Feind wird dir sagen, wer du bist. So ist wohl kein Zufall, dass es mit Ingeborg Bachmann eine Frau war, die diese Sätze so wunderbar verdreht, wenn sie sagt: „... die Auszeichnung der armselige Stern der Hoffnung über dem Herzen. Er wird verliehen für die Tapferkeit vor dem Freunde.“ (16). Diese Zeilen verleihen Hoffnung für eine neue Freundschaft zwischen Mann und Frau. Seit diesem 1957 veröffentlichten Gedicht (16) hat sich das Ideal der patriarchalischen Männerfreundschaft gewandelt, viele nennen das Phänomen nun Männerkumpanei. Vielen Soziologien gelten Frauen heute als die besseren Freunde (17). Tatsächlich haben sich die Lebenswelten von Männern und Frauen angenähert und die traditionellen Geschlechterrollen lösen sich immer mehr auf. So wird “platonische“ Freundschaft zwischen den Geschlechtern möglich. Auch bei solch “platonischen“ Freundschaften kann die sexuelle Anziehung eine Herausforderung sein. Meist ist die Freundschaft aber  stärker (18). Auf die Vermischung von platonischer Freundschaft und sexueller Anziehung gehe ich später im Kapitel „Freundschaft Plus“ noch ausführlich ein.

Einige soziologische Untersuchungen vermuten, dass es gar keine Unterschiede zwischen Männer- und Frauenfreundschaften gibt (19). Tatsächlich waren in einigen Studien Freundschaften und Popularität in Gemeinschaften nicht genderabhängig (20). Für den Soziologen Kracauer (21) bedeutet Freundschaft „den Zusammenklang der Persönlichkeiten“. Sie sei nicht, wie die Liebesbeziehung, auf die dauernde Anwesenheit der anderen Person angewiesen, sondern könne auch über Distanzen existieren und in Briefen ihren Ausdruck finden (21). Wie unterschiedlich Frauenfreundschaften und Männerfreundschaften wirklich sind, ist auch heute umstritten – gleich sind sie auch in den meisten Studien der modernen Soziologie und Psychologie aber nicht: Frauen pflegen häufiger Face-to-Face-Freundschaften, Männer Side-by-Side-Freundschaften (22). Männerfreundschaften sind also eher aktivitätsbezogen; sie unternehmen etwas zusammen, es entsteht Nähe und Intimität (22). Darüber wird aber unter Männern nicht groß gesprochen. Viele Frauen hingegen treffen sich lieber, um zu sprechen, auch über die Freundschaft selbst (22).
 

Freundschaft und Freiwilligkeit

Freundschaft lässt sich weder verordnen noch verorten, also anders als Zwangsehen oder Verwandtschafts- und Arbeitsbeziehungen. Freundschaft kann weder erzwungen noch verboten werden. Freundschaft wird nicht vererbt, sie ähnelt allenfalls einer Wahlverwandtschaft. Es gibt nur eines, was schlimmer ist als die Verwandtschaft -  keine zu haben. Freunde sind Gottes Entschuldigung für die Verwandtschaft. Es gibt keinen normierten Bund der Freundschaft, wie es etwa die Ehe ist. In der Freundschaft gibt es keinen Handel, sie beschäftigt sich ausschließlich mit sich selbst. Auch der Lohn der Lions-Freundschaft ist sie selbst. Wer sich mehr erhofft, versteht nicht, was Freundschaft ist. 

Freundschaft als Rückbestätigung

Die Forschung der letzten 50 Jahren legt nahe, dass Freundschaft insbesondere durch Rückbestätigung bzw. Bekräftigung der eigenen Ideen und Handlungen entsteht (23-24). Solche Modelle ähneln der psychologischen Konditionierung, bei der eine Handlung durch eine Belohnung konditioniert wird (25). Freundschaft festigt sich, wenn das Ergebnis des Zusammenseins beiden positiv erscheint (26).

Eine besondere Eigenschaft von Freundschaft wird in einer jüdischen Geschichte des Baal-Schem-Tov offenbar (27), die u.a. auch im Artikel von Iso Camartin erzählt wird (13). Der Meister bittet einen seiner Schüler mitten im Unterricht plötzlich um einen Taler. Der Schüler weiß, dass er keinen Taler besitzt. Trotzdem greift er in seine Jackentasche, um dem Meister dies zu zeigen. Tatsächlich aber findet er in der Tasche den erbetenen Taler und überreicht ihn seinem Meister. Solche Erfahrungen machen Freunde. Man findet plötzlich Dinge bei sich, von deren Existenz man gar nicht wusste. Wir verdanken sie dem Vertrauen, bei seinem Freund das zu finden, was er benötigt.

Freundschaft als Baustein von seelischer und körperlicher Gesundheit

Viele Studien belegen, dass Freundschaft zur seelischen und körperlichen Gesundheit beitragen (28-30). Dies gilt nicht in gleicher Weise für Facebook-Kontakte und Facebook-Freunde (31). Facebook-Benutzer waren mit ihrem Leben auch eher weniger zufrieden als die ohne Facebooknutzung. Die Lebensqualität hing auch nicht von der Zahl der Facebook-Freunde ab (32). Die Zahl und Qualität von konventionellen Freundschaften korreliert positiv mit Gesundheit und Lebensqualität, dies gilt nicht für Facebook-Freundschaften. (33). Diese Phänomene waren bei Frauen und Männern ähnlich (34). 
 In der posttraditionellen und postfaktischen Zeit verändert sich unsere Gesellschaft in hohem Tempo. Durch die Auflösung von Familienstrukturen und dauerhafter traditioneller Zweierbeziehungen sind viele Menschen verunsichert. Es bleibt unklar, ob hier die neuen Medien mit vielen virtuellen Freuden und noch größeren Freundeskreisen eine stabile Hilfe sind (35-36). 

Freundschaft als „Soziales Kapital“

Auch in der modernen Soziologie beinhaltet Freundschaft als soziale Beziehung Intimität, Gleichheit, gemeinsame Interessen und befriedigende (Inter)-Aktionen (37). Zudem ist Freundschaft soziales Kapital. Der soziologische Begriff des sozialen Kapitals ist seit den 1980er Jahren geläufig, seine Entwicklung reicht schon etwas länger zurück (38-42). Das Konzept beschreibt, wie es sozialem Kapital gelingt, Gruppen und Gesellschaften zusammenzuhalten und wie die Interaktion der einzelnen Mitglieder dazu beiträgt. Dabei spielen Freundschaft und Freundeskreise eine wichtige Rolle (43-46).

Vertrauen gehört zur Freundschaft (47) und zum sozialen Kapital (48-49). Freundschaft ist sogar ein ganz wesentlicher Teil des sozialen Kapitals (50-51) für das Zusammenhalten und die Kraft einer Gesellschaft. Die individuelle und durchschnittliche Lebensqualität steigt mit der Zahl und Qualität der Freundschaften. Freundschaften muss man pflegen, auch das zeigen aktuelle soziologische Studien (52). Sinkt der Zahl der Kontakte kann die Qualität der Freundschaft leiden und so auch das soziale Kapital schrumpfen (52). Freundschaft ist auch nach den neuen soziologischen Studien ein wichtiger Faktor für das Vertrauen in einer Gesellschaft, sowohl auf der Makroebene (Stadt, Land etc.) wie auch auf der Mikroebene (Unternehmen, Beziehungen, Familie) (52-53). 

Freundschaft und Vertrauen

Viele moderne Menschen haben verlernt, mit Gott und Seele zu kommunizieren; Gottesfreundschaft und Seelenverwandtschaft sind altmodische Begriffe (54). Trotzdem schätzt auch der moderne Mensch, wenn ihm Freundschaft hilfreich ist und den sozialen Umgang erleichtert - eine zunächst angenehme Eigenschaft insbesondere der nord-amerikanischen Gesellschaften. Und doch bleibt dieser Blick auf die Freundschaft oberflächlich. Auch bei der „Freundschaft“ steckt die Wahrheit im Detail: „Nice to have met you“ - daraus wird keine Freundschaft. Freundschaft ist eben mehr als die praktische Verbesserung von Kommunikation. Freundschaft beinhaltet Vertrauen und Sympathie und damit die psychosoziale Voraussetzung, um in unserer komplexen Welt zu überleben. Max Frisch hat dies so wunderbar in seinen Tagebüchern beschrieben (55): „Sympathie hat Geduld, die Geduld der Hoffnung... Der Schutzengel, die Sympathie, wir brauchen sie immerzu; wir haben ihn als Kind, sonst wären wir längst überfahren, wir verlassen uns auf ihn. Sympathie gibt das Gefühl, Luft unter den Flügeln zu haben. Anders der Partner, der keine Sympathie empfindet, der gerecht verbucht, was ist. Dies ist fürchterlich. Wehe dem Menschen, dem die Sympathie entzogen wird, wehe der Gesellschaft, der die Sympathie verloren geht.“  Wo Vertrauen und Sympathie vorhanden sind, schwindet die Angst, Fehler zu machen und die Gesellschaft kommt voran. Diesen sozialen Vorteil nutzen wir im öffentlichen und privaten Leben. So sagt Iso Camartin (13): „Vertrauen ist geradezu ein Wundermittel für das Zusammenleben... Sowohl in geschäftlichen Partnerschaften wie in Liebesbeziehungen bleibt Vertrauen seltsam gefährdet... Man wird es nie ganz begreifen, warum jemand von einem Tag auf den anderen glaubt, seine Freuden und seine Schmerzen seien bei einer Geliebten besser aufgehoben als bei der eigenen Frau. Der Vorrat an Vertrauen ist dann rasch verbraucht. Als weit ungefährdeter gegenüber solchem Tausch ist die Freundschaft... Freundschaft gedeiht im Windschatten der Sinne.“

Auch in der modernen Soziologie gehört Vertrauen zur Freundschaft (47) und zum sozialen Kapital (56). Freundschaft bleibt gefährdet: Ein richtiger Freund. Ein wahrer Freund. Mein bester Freund. Unter allem, was zu einem glücklichen Leben beiträgt, gibt es keinen größeren Reichtum als die Freundschaft. Es heißt aber auch: Ein falscher Freund. Ein sauberer Freund. Der Freund sei wie ein Schatten: Er verfolgt dich in den Momenten voller Licht und verlässt dich in dunklen Zeiten.  

Freundschaft mit sich selbst – Ähnlichkeit der Charaktere und Interessen

Montaigne antwortet auf die Frage nach dem Grund wahrer Freundschaft: „Weil er er war, weil ich ich war.“ Freundschaft ist nach Hegel „der konkrete Begriff der Freiheit“ (57), denn in der Freundschaft erfährt sich jeder so, wie er ist, geachtet und in aller Freiheit angenommen. Bei Hegel bedeutet Freiheit, dass ich in einem anderen bei mir selbst sein kann. Freundschaft entsteht dort, wo Menschen gemeinsame Ziele verfolgen (57): „Freundschaft beruht auf Gleichheit der Charaktere, besonders des Interesses, ein gemeinsames Werk miteinander zu tun, nicht auf dem Vergnügen an der Person des anderen als solcher.“ Ich denke, dass Hegel hier die Thesen des Aristoteles verkürzt, bei dem Freundschaft auch Vergnügen auslöst.
 

Freundschaft und Solidarität

Das griechische Wort für Freundschaft „philia“ umfasst alle Formen menschlichen Zusammenlebens: Freunden ist alles gemeinsam. Freundschaft bedeutet Solidarität. Mensch­liches Zusammenleben basiert nach Gadamer auf Solidarität (58). „Solidarität setzt voraus, was die Griechen Freundschaft mit sich selber nannten... Nur wer mit sich selbst Freund ist, kann sich dem Gemeinsamen einfügen.“ Gerade in modernen Zivilisationen bedeutet das Bewusstsein des eigenen Könnens eine wichtige Art von Freiheit. Nach Gadamer mag „das Bewußtsein des Könnens die ein­zige Form der Freiheit sein, die sich ungefährdet gegenüber den Zwängen unserer Welt erhält.“ Und Können begründet Solidarität. „Die Solidarität im Können, die Sachverantwortung im Beruf, das Wissen, das ich mit anderen teile, sind Gestalten von Solidarität, die auf die eine innere Grundmöglichkeit des Menschen zurückweisen, sich mit sich selbst und der Welt einzurichten, ja, anzufreunden.“ (58)
 

Freundschaft und Facebook

Der Begriff Freundschaft hat sich in den letzten Jahren vor allem in der jüngeren Generation verändert. Die sozialen Medien spielen hierbei eine wichtige Rolle. Begonnen hat dies mit der Möglichkeit eine E-Mail statt einem Brief zu schreiben. Während die Unterschiede zwischen E-Mail und Brief noch vergleichsweise gering sind, führten Facebook und die weiteren neuen sozialen Medien zu einer wirklichen Revolution von Kommunikation und Beziehungen. Eine ähnlich rapide und gravierende Veränderung hat es in der Menschheitsgeschichte nicht gegeben. Es bleibt die Frage, ob diese Veränderungen auch die Freundschaft nachhaltig beeinflusst haben.
Facebook ist ein soziales Netzwerk im Internet; es ermöglicht die Darstellung von privaten wie geschäftlichen Profilen und die Bildung von Gruppen zur Diskussion oder Organisation von gemeinsamen Themen. Die Facebook-Accounts werden erst nach einer Freundschaftsanfrage vernetzt (59-61). Die Höchstgrenze der so entstehenden Facebook-Freunde ist auf 5000 „Freunde“ beschränkt. Die Anzahl von Abonnenten ist analog den Followern auf Twitter oder den Abonnenten auf Instagram nicht begrenzt (59-61). Das 2004 gegründete Facebook-Netzwerk zählte 2019 etwa 2,5 Milliarden aktive Mitglieder, welche die Seite mindestens einmal pro Monat besuchten (62). Der jährliche Umsatz beträgt mehr als 40 Mrd. $ (59).
Im Mittel haben Inhaber eines Facebook-Accounts immerhin 338 Freunde (63). Personen mit vielen Facebook-Freunden genießen eine höhere Anerkennung als die mit wenigen; trotzdem haben auch Menschen mit sehr vielen Facebook-Freunden im realen Leben vielleicht gar keine Freunde. Reale, zupackende Hilfe erhält man nicht von virtuellen Freunden. 
Die neuen sozialen Netzwerke - und Facebook ist darunter hier nur als Beispiel genannt - haben bei aller Kritik große und bisher auch nicht vorstellbare Vorteile. Nicht umsonst nutzt inzwischen mehr als die Hälfte der Menschheit diese Medien. Der virtuelle Austausch ist auch über sehr große Distanzen in Sekundenschnelle möglich – per Text, Video und Audio. Die neuen Medien sind auch nicht angetreten, die konventionellen Freundschaften und Bindungen aufzulösen oder zu ersetzen. Menschen mit vielen Facebook-Freunden können auch viele reale Freunde haben. Der virtuelle Austausch schließt allerdings gemeinsames Erleben und Erfahren aus. Die sozialen Netzwerke haben viele andere Gefahren, auf die hier nicht eingegangen wird. 
Die neuen Medien beinhalten zudem große Kontaktbörsen, die in der Regel auf Liebesbeziehungen angelegt sind. Hier können sich Personen kennenlernen, die ähnliche Interessen und Wünsche haben. Schon 2013 war das Internet, nach dem Kennenlernen im realen Freundeskreis, die zweit-wahrscheinlichste Möglichkeit, einen festen Partner zu finden (64). Alleine bei Tinder erzielen mehr als 50 Millionen Benutzer 12 Millionen „Matches“ pro Tag (65). Auf die Vermittlung konventioneller Freundschaften konzentrieren sich die großen Börsen aber bisher nicht. 

Freundschaft Plus

Nach aktuellen Forschungsdaten versuchen immer mehr jüngere Menschen Freundschaft und Sex für längere Zeit ohne die Absicht einer formalen Partnerschaftsbindung zu kombinieren (66). Man nennt dies heute auch „Freundschaft Plus“ oder „No Strings Attached“. Diese Begriffe spielen auf den US-Film „No Strings Attached“ aus dem Jahr 2011 an (67). Im Film versuchen die von Natalie Portman und Ashton Kutcher gespielten Hauptfiguren eine freundschaftliche Beziehung zu führen, in der es darum geht, Sex miteinander zu haben, ohne sich emotional zu verlieben. Im Film mündet dies - wie es sich für ein amerikanisches Märchen gehört - in eine auf Dauer angelegte Liebesbeziehung. Im echten Leben ist dies auch in den heutigen posttraditionellen Zeiten aber durchaus nicht immer so.

Was passiert mit einer schon länger bestehenden Freundschaft, wenn ein heterosexueller Mann Sex mit einer heterosexuellen Frau hat (68). Die Beziehungen einer solchen „Freundschaft Plus“ können sich in unterschiedliche Richtungen entwickeln, wobei eine feste Liebesbeziehung nur in weniger als 10 % der Fälle entstand (69). Mehr als 1/3 der Personen hatten die sexuelle Beziehung eines Tages beendet, gaben aber an, noch Freunde zu sein, während etwa ¼ die Beziehung und auch die Freundschaft vollständig beendet hatten (69). In einer weiteren aktuellen Studie wurde untersucht, wie sich die Freundschaft nach Beendigung der sexuellen Beziehung entwickelte (17). Dabei hatte sich die Freundschaft bei der Hälfte der Personen zurückentwickelt, während die andere Hälfte angab, die Freundschaft wäre so gut wie vorher oder sogar  enger.

Auch bei der „Freundschaft Plus“ gibt es auch nach aktuellen Studien signifikante Unterschiede zwischen Frauen und Männern (70). Männer nannten den Sex als Hauptgrund für die Beziehung häufiger als Frauen, die wiederum häufiger als Männer als Hauptgrund die emotionale Verbindung mit dem Partner nannten. Zudem erhofften sich Frauen häufiger als Männer, aus der „Freundschaft Puls“ könne eine feste Partnerschaft werden. Männer hingegen wollten meist die Art der „Freundschaft Plus“ beibehalten (70-71). Diese Genderunterschiede in den Erwartungen an eine „Freundschaft Plus“ können zu erheblichen Problemen führen, insbesondere wenn die Partner nicht darüber sprechen (69). Weder die sexuelle Kommunikation noch die sexuellen Praktiken unterschieden sich bei den in einer „Freundschaft Plus“ lebenden Personen von denen in festen Beziehungen. Partner in einer „Freundschaft Plus“ waren allerdings weniger sexuell befriedigt als Personen in festen konventionellen Beziehungen (71).
In der heutigen Soziologie gilt Freundschaft als ein dynamischer freiwilliger Beziehungsprozess zwischen zwei Personen  (35); zudem ist die Beziehung gleichberechtigt und nicht hierarchisch. Im Vergleich zu Bekanntschaften besteht unter Freunden ein hoher Grad an Vertrauen und Intimität (72). Kontrovers wird sowohl die Frage der Gleichgeschlechtlichkeit unter Freundinnen und Freunden als auch die teilweise bis heute geforderte Abwesenheit von Sexualität diskutiert. (10-11)
 

Freundschaft in der aktuellen Soziologie

Müller-Jentsch (9) hat wichtige Erkenntnisse der aktuellen Freundschaftsforschung in acht Punkten zusammengefasst:

1. Freundschaft findet man in allen menschlichen Gesellschaften. Ihre Ausgestaltung kann sich von Kultur zu Kultur deutlich unterscheiden

2. Freundschaft ist eine Zweier-Beziehung, oft zwischen Menschen ähnlichen Alters und ähnlicher Bildung sowie des gleichen Geschlechts; Freunde sind nicht verwandt und haben keine sexuelle Liebesbeziehung. 

3. Freundschaft ist ein soziales Mikro-System, das Intimität besitzt. 

4. Freunden kann man Geheimnisse anvertrauen, die verletzbar machen. 

5. Freundschaft ist freiwillig, vertrauensvoll, gleichberechtigt, auf Dauer angelegt und gelebt.

6. Freundschaft bietet Unterstützung emotionaler, kognitiver und materieller Art. Dazu gehören Vertrauen, Information und praktische Hilfen.

7. Freundschaften entstehen oft bei Gelegenheit aus räumlicher und sozialer Nähe und aus wiederholter Kommunikation sowie gemeinsamer (Inter-)Aktion. 

8. Eine Verallgemeinerung der in Studien festgestellten Unterschiede zwischen Männer- und Frauenfreundschaften ist problematisch. Gender-Unterschiede können auf Verschiedenheit von gesellschaftlichen Rollen beruhen.

Aristoteles nennt in der Nikomachischen Ethik nur drei wesentliche Motive, Freundschaften einzugehen: Freundschaft um des Wesens Willen, des Nutzens Willen und der Lust Willen. Diese Eigenschaften werden der Freundschaft auch von der aktuellen Soziologie zugeschrieben (73). Freundschaft ist seit Aristoteles auch für das Funktionieren der Gesellschaft eine wichtige soziale Beziehung, die sich von anderen Bindungen unterscheidet. Auch Aristoteles zeigt bereits, wie wichtig der Freundschaft die Gleichberechtigung, das gemeinsames Aufwachsen und ein ähnliches Alter sind; auch dies wird durch die moderne Soziologie bestätigt (5,74). Schon Platon hat im Lysis Dialog Freundschaft ähnlich charakterisiert (5). Freundschaft existiert zunächst um des Freundes willen. Die regelmäßige Teilhabe am alltäglichen Leben des Freundes ist für die Freundschaft wichtig (3). Freunde im Ruhrgebiet nennen sich auch Kumpel. Kumpel leitet sich von Compagnon ab, wörtlich also der Person, der der man zusammen das Brot isst. Gemeinsames Tun alltäglicher Dinge wie das gemeinsame Essen ist wichtig für die Festigung von Freundschaft. Freunde haben häufig ähnliche Interessen und Werte, was Austausch und Verstehen erleichtert (74).  Die Person entscheidet selbst und freiwillig, wen sie als Freundin oder Freund bezeichnet (75). Eine solche Freundschaft gewinnt in der Jugendphase mit der Ablösung von erwachsenen Bezugspersonen eine große Bedeutung. So entstammen die besten Freunde meist aus der Jugend. Ähnliche Beschreibungen der Freundschaft findet man auch schon bei Sokrates, Platon, Aristoteles und Cicero (3-4,76-80). Die moderne Soziologie bestätigt fast alle Annahmen von Aristoteles; ob man der Freundschaft nun drei oder acht wesentliche Eigenschaften oder Motive zuordnet erscheint mir dabei zweitrangig. Freundschaften zwischen den Geschlechtern bleiben aber auch in der aktuellen Forschung ambivalent.

Freundschaft ist auf Dauer angelegt

So fasst Bertolt Brecht dies in wenigen Versen zusammen (81):

„Worauf kann man sich bei seinen Freunden verlassen? 
 Nicht für ihr Tun. Man kann nicht wissen, was sie tun werden.
 Nicht auf ihre Art. Sie kann sich ändern. 
 Nur auf eines: Dass sie nicht weggehen.“

Prof. Dr. med. Claus Niederau, im April 2020

Literaturhinweise

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3. Aristoteles: Nikomachische Ethik. Anaconda Verlag 2009.

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8. Claudius M: Von der Freundschaft. Kumm Verlag 1957.

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Heine Heinrich Denkmal von Louis Hesselrijs im Auftrag von Kaiserin Elisabeth (Sissi), heute in Toulon, Frankreich. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:HeineHeinrich.jpg

Am 21.02.2020 haben sich meine beiden langjährigen Oberärzte Dres. Thomas Kaden und Jochen Breuer im Sissi & Franz am Theater Oberhausen verabschiedet. Meine Beiträge zu „Sissi und Heine“ bzw. zu „Das Jahr 1492“ habe ich ihnen gewidmet. Hier der Beitrag zu „Sissi und Heine“.
 
Die Geschichte von Sissi begeistert zu jedem Weihnachtsfest noch immer die Zuschauer. Zumindest in meiner Familie spielt das Wort genderneutral hier keine Rolle und es darf geweint werden. Und das alles ist Ritual seit der erste Film der Trilogie 1955 über die Bildschirme flimmerte. Romy Schneider und Karlheinz Böhm spielen das Traumpaar. Romy Schneider hat später alles versucht, um von der Rolle der Sissi wieder loszukommen – zumindest in Deutschland und Österreich ist es ihr nicht gelungen. Filmlizenzen wurden auch in mehr als 70 weitere Länder verkauft. Sissi ist quasi Weltkulturerbe. Ernsthafte Remakes gibt es, keiner der Sissi-Fans möchte sie aber zu Weihnachten sehen. Sissi und Romy Schneider sind auf immer untrennbar verbunden. 

Den meisten Sissi-Fans ist ihre Verehrung von Heinrich Heine wahrscheinlich überhaupt nicht bewusst. Sie selbst hat sich viele Jahre mit dem Dichten versucht, wobei sie sich vor allem von ihrem „Meister" Heinrich Heine geleitet fühlte. Immer wieder verwies sie darauf, dass sie ihre Inspirationen direkt von seinem Geist bekäme; einmal sei ihr der „Meister“ sogar höchst persönlich erschienen. Sissi wurde 1837 geboren und war erst 19 Jahre alt, als Heine 1856 starb; sie sind sich nie persönlich begegnet.

Ihre Verehrung Heinrich Heines war zu ihren Lebzeiten allgemein bekannt. Sie kannte lange Passagen aus Heines Werken auswendig und beschäftigte sich intensiv mit seinem Leben. So sammelte sie Heine-Manuskripte und -Porträts, besuchte Heines ältere Schwester Charlotte in Hamburg und betete an Heines Grab auf dem Montmartre-Friedhof in Paris.

Zu dieser Zeit reifte in der Stadt Düsseldorf ein Plan, einem ihrer berühmtesten Söhne ein Denkmal zu setzen. Anlässlich des 90. Geburtstags Heines wurde 1887 vom Bürgermeister ein Komitee für die Errichtung eines Heine-Denkmals gegründet. Es folgten politisch motivierte Auseinandersetzungen, denn der liberale Heine war im wilhelminischen Deutschland ein höchst umstrittener Dichter. Heine entstammte einer jüdischen Familie; obwohl er später zum Katholik konvertierte, blieb er für viele ein Jude. Vor allem antisemitische und deutsch-nationale Gruppen agitierten gegen ihn. Wir haben die Probleme Düsseldorfs im Umgang mit Heinrich Heine bis in die 1970er und 1980er Jahren erlebt, als die Studenten der Universität Düsseldorf ihr den Namen Heinrich-Heine geben wollten; erst 1988 haben die Professoren den Studenten nachgegeben. Seitdem profitiert meine Alma mater weltweit von seinem Namen. 

Ich selbst habe eine enge Beziehung zum Werk Heinrich Heines und zur Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf, die mich promovierte und habilitierte. Bis heute bin ich dort Professor und Mitglied der Medizinischen Fakultät. Gefreut habe ich mich auch, dass meine beiden Kinder auf dem Heinrich-Heine Gymnasium in Oberhausen das Abitur gemacht und später in der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf studiert haben.
 

In den Wirren um das Heine-Denkmal 100 Jahre zuvor bat das zuständige Düsseldorfer Komitee Sissi um Unterstützung und sie spendete umgehend und begeistert etwa 13.000 Reichsmark. Als Künstler schlug Sissi den Berliner Künstler Herter vor. Nachdem die öffentliche Seite in Düsseldorf zugestimmt hatte, erarbeitete Herter zwei Entwürfe. Der eine stellte einen Loreley-Brunnen dar, der andere zeigte den auf einem Sockel sitzenden Dichter. Sissi mochte wohl den letzteren Entwurf lieber. 

Die Agitationen gegen das Heine-Denkmal hatten nun aber ein solches Ausmaß angenommen, dass der deutsche Kulturminister eingriff: Gegen einen Loreley-Brunnen könne niemand etwas einwenden, eine Büste Heines sei aber zu provokant. Tatsächlich fand das Loreley-Motiv bei der Ausstellung der Entwürfe in der Düsseldorfer Kunsthalle großen Zuspruch. Damit wäre der Brunnenlösung nichts mehr im Wege gestanden. Das Heine-Komitee aber wünschte vom Künstler einen weiteren Entwurf in Büstenform. Sofort loderte die Entrüstung gegen das Denkmal wieder auf. Inzwischen wollte die Stadtverwaltung eine erneute öffentliche Diskussion vermeiden und gab den Plan eines Heine-Denkmals auf. Auch Sissi hatte von den politischen und teils auch persönlichen Anfeindungen genug. Für Sissi war die Errichtung eines Heine-Denkmals aber eine sehr persönlich-literarische und keine politische Angelegenheit; viele Liberale sahen in Sissi aber eine Verbündete gegen nationalistische Strömungen. Geteilt haben Sissi und Heine auf jeden Fall das Ideal von Freiheit.

Seit den späten 18-achtziger Jahren war Sissi häufig in Griechenland. 1888 eröffnete sie ihrem Mann Kaiser Franz Joseph, dass sie Griechenland als ihre neue Heimat betrachte. Franz Joseph war davon wenig angetan. Sissi hat dann aber geholfen, dass Kaiser Franz eine gute „Freundin“ bekam. So ließ er Sissi auf Korfu ein sehr teures Privatschloss im Stil Trojas und Pompejis erbauen; es wurde Achilleion genannt. Hier konnte Elisabeth ihrem geliebten Meister Heine endlich kompromisslos huldigen. Sie prüfte verschiedene Porträts Heines und lud dessen Neffen Gustav Heine ein, um festzustellen, welches Porträt dem meisten am ähnlichsten war. Sie entschied sich für einen Entwurf des dänischen Bildhauers Hasselriis. Die Figur ließ sie in einem Tempel im Garten des Achilleion aufstellen.

Doch auch dieses Heine-Denkmal sollte, ähnlich wie der Loreley-Brunnen, noch eine bewegte Zukunft haben. Nach der Ermordung Sissis kaufte der deutsche Kaiser Wilhelm II. das Schloss auf Korfu. Als neuer Hausherr entfernte er bald das Heine-Denkmal. Diese Aktion brachte ihm großen politischen Beifall. Der Verleger Heines Julius Campe rettete das Heine-Denkmal, das bis heute in Süd-Frankreich im Jardin de Mourillon in Toulon steht.

Das Modell des Loreley-Brunnens, das auf der Düsseldorfer Ausstellung viel Beifall gefunden hatte, wurde auch international publiziert. So wurde der Verein Arion in New York auf den Entwurf aufmerksam und fragte den Künstler, ob er den Loreley-Brunnen in New York errichten könnte. Herter sagte freudig zu. Doch auch bei der Aufstellung des Denkmals in New York gab es erneut Schwierigkeiten. Ursprünglich wollte der Verein das Heine-Denkmal an einer zentralen Stelle in Manhattan aufstellen, am liebsten im Central Park. Dies wurde von der New Yorker Stadtverwaltung nicht genehmigt. In New York war Heine zwar keine so umstrittene Person wie in Düsseldorf, doch einem Deutschen, der nie in den USA war, wollte man auch nicht einen so prominenten Platz in Manhattan einräumen. Schließlich wurde von der Stadt­verwaltung ein Platz in einem Park in der Bronx genehmigt. Dieser Ort war damals zwar abgelegen, aber eine gute Wohngegend, in der u. a. Mark Twain zu Hause war.

Doch die Auseinandersetzungen um das Heine-Denkmal in New York gingen auch nach der Enthüllung 1899 weiter. Während die Heine-Proteste in Deutschland deutsch-national und anti-semitisch geprägt waren, so gab es in New York nun auch anti-deutsche Vandalenakte. Dem lyrischen Meister wurde schon ein Jahr nach der Enthüllung des Denkmals der Kopf abgeschlagen. Der Kopf wurde zwar ersetzt, fehlte aber bald wieder. Ein ähnliches Schicksal erlitt Jahrzehnte später die Statue der Kleinen Meerjungfrau in Kopenhagen, der gleich zweimal - 1964 und 1998 - der Kopf abgetrennt wurde. 

Die Motive für den Vandalismus am Loreleybrunnen und an der Kleinen Meerjungfrau mögen unterschiedliche gewesen sein, sie trafen aber beide märchenhafte Figuren; die Loreley entstammt einer Ballade von Clemens Brentano aus dem Jahr 1801 und die Kleine Meerjungfrau einer Geschichte von Hans Christian Andersen aus dem Jahr 1837. Es gibt weitere Gemeinsamkeiten: Beide - die Loreley und die Kleine Meerjungfrau-  sitzen auf einem Felsen am Wasser, beide sind rätselhaft schön und beide erzählen eine eher traurige Geschichte. 

Nach dem 2. Weltkrieg ging der politisch motivierte Vandalismus gegen die Heine-Statue zurück. Mit dem sozialen Niedergang der Bronx kam es aber zu unpolitischem Vandalismus. Ich kann mich noch erinnern, dass ich 1983 das Heine-Denkmal besuchen wollte und in der U-Bahn an der Bronx aussteigen wollte. Davon abgehalten wurde ich von zwei Cops des NYPD, die mir unmissverständlich klar machten, dass hier nur Lebensmüde aussteigen würden; ich solle sofort wieder in die U-Bahn einsteigen und erst zwei Stationen weiter dürfte ich wieder aussteigen. Selbst die Feuerwehr würde nicht mehr in die South Bronx fahren. 

Inzwischen sind New York und auch die Bronx wieder viel sicherer geworden und man kann dort die U-Bahn wieder verlassen. Auch das Heine-Denkmal ist nun nicht mehr von Graffiti überzogen. Dennoch war sein Zustand schlecht. Nur Loreley selbst, die oben auf dem Denkmal nachdenklich das Haar kämmt, ist aufgrund ihrer schwer zugänglichen Lage von Ver­wüstungen weitgehend verschont ge­blieben.

Wie in amerikanischen Märchen gab es für den Loreley-Brunnen ein Happy-End. Der damalige New Yorker Bürgermeister Rudolph Giuliani - nun der Rechtsanwalt Donald Trumps - errichtete einen Fond zur Renovierung des Heine-Denkmals, der bald auf mehr als 1 Million Dollar anwuchs. Gleichzeitig wurde die Südseite des Joyce-Kilmer-Parks neu gestaltet und dort erhielt der Loreley-Brunnen 1999 seinen neuen Standort. Nun kann man ihn problemlos besuchen und in seiner vollen Pracht bewundern. Dazu kann man die Loreley zitieren oder gerne auch besingen. Zeitgenössische Kommentare zum berühmten deutschen Gedicht und seiner Vertonung wurden 2006 in Die Zeit publiziert (s. Literatur):

Die Loreley
 
Ich weiß nicht was soll es bedeuten 

Daß ich so traurig bin; 
Ein Märchen aus alten Zeiten, 
Das kommt mir nicht aus dem Sinn. 
 
Die Luft ist kühl und es dunkelt, 
Und ruhig fließt der Rhein; 
Der Gipfel des Berges funkelt 
Im Abendsonnenschein. 
 
Die schönste Jungfrau sitzet 
Dort oben wunderbar, 
Ihr goldenes Geschmeide blitzet, 
Sie kämmt ihr goldenes Haar. 

Sie kämmt es mit goldenem Kamme 
Und singt ein Lied dabey; 
Das hat eine wundersame, 
Gewaltige Melodei. 
 
Den Schiffer, im kleinen Schiffe, 
Ergreift es mit wildem Weh; 
Er schaut nicht die Felsenriffe, 
Er schaut nur hinauf in die Höh´. 
 
Ich glaube, die Wellen verschlingen 
Am Ende Schiffer und Kahn; 
Und das hat mit ihrem Singen 
Die Lore-Ley getan. 

Heinrich Heine 1823

 
Eine weitere Büste Heines ziert sein Pariser Grab, eines der meist besuchten Gräber auf dem Montmartre-Friedhof.  Der Cimetière de Montmartre liegt in der Avenue Rachel im 18. Arrondissement von Paris. Neben Heinrich Heine wurden dort auch Berlioz, Degas, Dumas, Offenbach, Stendhal, Truffaut und Zola begraben. Der schöne Marmorkopf ist erst später auf das Grab gesetzt worden. In Auftrag gegeben wurde auch er von Sissi. Das Grab ist fast immer mit frischen Blumen geschmückt und zu Heines Todestag am 17. Februar liegt dort seit 164 Jahren ein großer Kranz des Hoffmann und Campe Verlags. Eine Bild vom Grab finden Sie auf meiner Webseite. Auf dem Grabstein sind folgende Verse Heines eingemeißelt:

Wo wird einst des Wandermüden 
letzte Ruhstätte sein? 
Unter Palmen in dem Süden, 
Unter Linden an dem Rhein? 

Werd ich wo in einer Wüste
Eingescharrt von fremder Hand?
Oder ruh ich an der Küste
Eines Meeres in dem Sand.

Immerhin. Mich wird umgeben 
Gotteshimmel. Dort wie hier 
und als Totenlampen 
schweben nachts die Sterne über mir.

Immerhin – von seinem Denkmal in Toulon schaut Heine nun auf Palmen in dem Süden. Sissi wäre mit all dem auch sehr einverstanden gewesen.

Literatur

Clemens Brentano. Sämtliche Werke und Briefe. Historisch-kritische Ausgabe, Anne von Bohnenkamp-Renken, Konrad Feilchenfeldt, Jürgen Behrens, Wolfgang Frühwald, Detlev Lüders (Hrsg.). Kohlhammer Verlag Stuttgart 1975. 

Heinrich Heine: Sämtliche Gedichte in zeitlicher Folge. Klaus Briegleb (Hrsg.). Insel Verlag 1997.

Dietrich Schubert: Der Kampf um das erste Heine-Denkmal. Düsseldorf 1887-1893, Mainz 1893-1894, New York 1899. In: Wallraf-Richartz-Jahrbuch: Westdeutsches Jahrbuch für Kunstgeschichte 1990; 51, S. 241–272. 

Brigitte Hamann: Kaiserin Elisabeth - Das poetische Tagebuch. Akademie der Wissenschaften, Wien 1997.

Renate Daimler: Frei sollen die Frauen sein…. Gedanken der Kaiserin Elisabeth von Österreich. Brandstätter Verlag Wien 1998.

Wolfgang Schedelberger: Heinrich Heine in der Bronx. In: Extra. Wochenend-Beilage zur Wiener Zeitung  11./12. Dezember 1998, S. 5.

Paul Reitter: Heine in the Bronx. In: The Germanic Review 74; 1999, S. 327–336.

Jeffrey L. Sammons: The Restoration of the Heine Monument in the Bronx. In: The Germanic Review 74; 1999, S. 337–339.

 
Marcel Reich-Ranicki: Der Fall Heine. DVA Verlag Stuttgart 1997 und dtv Verlag München 2000.

Manfred Flügge: Die Odyssee von Sisis Heine-Denkmal. F.A.Z., 08.12.2007. Nr. 286, S. 4.

Christopher Gray: Sturm und Drang Over a Memorial to Heinrich Heine. In: New York Times. Ausgabe vom 27. Mai 2007.

Andersens Märchen. Vollständig überarbeitete und illustrierte Ausgabe speziell für digitale Lesegeräte. Null Papier Verlag Neuss 2011.

Brigitte Hamann: Elisabeth: Kaiserin wider Willen. Piper Verlag 2012.

Jürgen Habermas: Zeitgenosse Heine: Es gibt jetzt in Europa keine Nationen mehr. Rede anlässlich der Verleihung des Heinrich-Heine-Preises der Stadt Düsseldorf am 14.12.2012. In: Im Sog der Technokratie. Kleine Politische Schriften. XII. Suhrkamp Verlag Berlin 2013.

Die Zeit: Ich weiß nicht, was soll es bedeuten. Freud, Heine und die Wirklichkeit. Die Zeit 10. Mai 2006:

• Die Psychoanalytische Sichtweise von Thea Bauriedl
• Die philosophische Vernunft von Julian Nida-Rümelin
• Fragen eines Hirnforschers beim Lesen von Wolf Singer
• Die Tricks der Schriftstellerei von Daniel Kehlmann
• Die List der Übertragung von Elisabeth Bronfe

Auf der Maas im Juni 2019.

Anselm Kiefer erhielt 2008 als erster bildender Künstler den Friedenspreis des Deutschen Buchhandels. In seiner Dankrede diskutiert er das Verhältnis  von Literatur, Geschichte, Wissenschaft und Mythologie zur Kunst. Anselm Kiefer hat in seine Gemälde häufig Verse von Ingeborg Bachmann, Paul Celan und anderen Dichtern integriert und damit ein direktes Verhältnis von Text und Bild hergestellt. Gleich zwei seiner Bilder tragen den Titel eines Gedichts von Ingeborg Bachmann: „Böhmen liegt am Meer“. Anselm Kiefer zählt weltweit zu den bekanntesten und erfolgreichsten zeitgenössischen Künstlern. Da er mein Verständnis von Kunst und Literatur so sehr widerspiegelt, möchte ich einige Sätze seiner Dankrede anlässlich der Verleihung des Friedenspreises des Deutschen Buchhandels zitieren: 

„Ich denke in Bildern. Dabei helfen mir Gedichte. Sie sind wie Bojen im Meer. Ich schwimme zu ihnen, von einer zur anderen; dazwischen, ohne sie, bin ich verloren...Ich grenz, wie wenig auch, an alles immermehr:  Jede Grenze ist Illusion, aufgerichtet, um uns zu beruhigen und einen festen Ort vorzugaukeln. Aber ohne Grenzen, ohne diese Illusion von Grenzen sind wir nicht lebensfähig, weder als einzelne, noch im Verhältnis zu den anderen. »Ich grenz, wie wenig auch, an alles immer mehr« :  Dieser wunderbare Satz (von Ingeborg Bachmann, Anmerkung des Autor) überspringt, übersetzt, kunstvoll den Dualismus und kommt zu etwas ganz Anderem, Tieferem, dessen Rätsel mich immer wieder beschäftigen.

»Böhmen liegt am Meer«, diesem Bild von Ingeborg Bachmann glaub ich mehr als den Landkarten oder der Geographie. Es gibt eine besondere Grenze, die Grenze zwischen Kunst und Leben, eine Grenze, die sich oft irrlichternd verschiebt. Aber ohne diese Grenze gibt es keine Kunst. Im Verlauf der Herstellung leiht sich die Kunst das Material vom Leben; und noch im vollendeten Kunstwerk scheinen die Spuren von Leben durch. Die Distanz zum Leben ist aber zugleich das Wesentliche, die Substanz der Kunst. Dennoch hat das Leben seine Spuren hinterlassen. Und das Kunstwerk ist umso interessanter, je mehr es gezeichnet ist vom Kampf um die Grenze zwischen Kunst und Leben.“

Die vollständige Rede ist zu lesen bzw. zu hören unter:  www.friedenspreis-des-deutschen-buchhandels.de/sixcms/media.php/1290/2008%20Friedenspreis%20Reden.pdf  bzw. www.youtube.com/watch?v=wsO4RWY7ttU
Zitate der Auszüge aus der Friedenspreisrede mit freundlicher Genehmigung von Martin Schult, Friedenspreis des Deutschen Buchhandels, Börsenverein des Deutschen Buchhandels  e.V.

Bild:  Tulpen im Spiegel. Frühjahr 2015.

Schönheit ist der Glanz des Wahren

Rede zur Ausstellungseröffnung: Bilder von Menschen mit Behinderung aus den Lebenshilfe-Werkstätten Königshardt am 11.10.2016 im Ambulanten Hospiz Oberhausen. 

Prof. Dr. med. Claus Niederau, 1. Vorsitzender, Ambulantes Hospiz Oberhausen e. V. 

Schönheit ist der Glanz des Wahren. Diese Aussage findet man in der Geschichte der Menschheit von Platon bis Beuys. Mit der Schönheit beschäftigt sich die philosophische Disziplin der Ästhetik. Das Wort stammt aus dem Griechischen und bedeutet Sinneswahrnehmung, aber auch Erkenntnis und Verstehen. Schönheit steht seit dieser Zeit im Dienst des Wahren und Guten. Gut ist dabei weniger moralisch zu verstehen, sondern als Maß dafür, inwieweit ein Objekt mit seiner Idee übereinstimmt. 

Im Mittelalter wurde die irdische Welt der sinnlichen Erscheinung gegenüber einer jenseitigen Welt radikal abgewertet. Erst in der Renaissance wird Schönheit nicht mehr nur als Ausdruck der Macht Gottes gedacht, sondern von ihrer Wirkung aufs Subjekt her verstanden. Kant beschreibt die Erfahrung des Schönen als Zusammenspiel von Sinnlichkeit und Verstand. Schiller löst dieses Konzept der Schönheit als Form der menschlichen Beurteilung auf und spricht sie den Kunstwerken selbst zu. Die Schönheit kehrt vom wahrnehmenden Subjekt zurück aufs wahrgenommene Objekt. Erst in den 1950er Jahren wird das Verhältnis von Kunstwerk und Betrachter zum Dialog, so wie es etwa Gadamer beschreibt: „Das Kunstwerk hat ... sein eigentliches Dasein darin, daß es zur Erfahrung wird, die den Erfahrenden verwandelt “. 

Autoren wie Heidegger, Adorno und Gadamer besinnen sich auf die Ästhetik als Gegenpol einer einseitig logo-zentrischen Philosophie des Abendlandes und einer technisierten Welt. Von der Philosophie sagt man – so John Dewey, sie „beginne beim Wunder und ende im Verstehen. Kunst nimmt ihren Ausgang beim Verstandenen und endet im Wunder.“ Bei Heidegger lichtet erst die Kunst das Sein in seiner Dunkelheit, erst die Kunst erhebt die „Erde zur Welt”. 

„Jeder Mensch ist ein Künstler“, so Joseph Beuys. Dieser provokante Satz beinhaltet die Aufforderung, aus und in unserem Leben Kunst zu machen, unser Leben kreativ zu gestalten. Von Pablo Picasso stammt ein ähnlicher Satz: „Jedes Kind ist ein Künstler“. Gerade Kinder malen freier als Erwachsene, sie kennen noch keine antrainierten Grenzen von Formen und Farben. In diesem Sinn kennt Kunst auch keine Behinderung! Kunst sucht ja nach neuen Ausdrucksformen und nicht nach Ausgrenzung. Die künstlerische Arbeit mit Menschen mit Behinderungen ist für alle Beteiligten eine Bereicherung und schafft neue Wahrnehmungsmöglichkeiten, die Menschen ohne Behinderung oft verschlossen sind. Menschen mit Behinderung erfahren auf der anderen Seite, dass sie in der Kunst Vorstellungen ausleben können, die ihnen sonst verwehrt sind.

So lassen Sie uns heute mit Hilfe der hier ausgestellten Kunst und ihren Künstlern ein Stück „Erde zur Welt“ machen. 

Literaturhinweise

Michael Hauskeller. Was ist Kunst? Positionen der Ästhetik von Platon bis Danto. C. H. Beck Verlag 2008.

Umberto Eco. Die Geschichte der Schönheit. Übersetzt von Friederike Hausmann und Martin Pfeiffer. Hanser Verlag 2004. 

Zhengmi Zhouhuang. Der sensus communis bei Kant: Zwischen Erkenntnis, Moralität und Schönheit. De Gruyter Verlag 2016.

Friedrich Schiller. Über die ästhetische Erziehung des Menschen: In einer Reihe von Briefen. Klaus L. Berghahn (Hrsg.). Reclam Verlag 2000.

Martin Heidegger. Der Ursprung des Kunstwerkes. Holzwege Verlag 1980.

Theodor W. Adorno. Gesammelte Schriften in 20 Bänden: Band 7: Ästhetische Theorie. Suhrkamp Verlag 2003. 

Udo Tietz. Hans-Georg Gadamer zur Einführung. Junius Verlag 2019.

John Dewey. Kunst als Erfahrung. Übersetzt von Christa Velten, Dieter Sulzer und Gerhard vom Hofe. Suhrkamp Verlag 2010.

Heiner Stachelhaus. Joseph Beuys. 'Jeder Mensch ist ein Künstler'. Heyne Verlag 1995.

Pablo Picasso. Picasso in TIME, October 4, 1976. Modern Living: Ozmosis in Central Park. http://content.time.com/time/magazine/article/0,9171,918412,00.html

Bild:  Krokusse aus dem Garten, Februar 2022.

Rede zur Verabschiedung als Chefarzt des Katholischen Klinikums Oberhausen 
am 15. Januar 2020.

Lieber Herr Pastor, lieber Herr Oberbürgermeister, liebe Mitarbeitende, liebe Familie, liebe Gäste,

als ich mich daran gemacht habe, eine berufliche Bilanz zu ziehen, habe ich meine Einführungsworte aus dem Jahr 1998 wiedergefunden. Hier hatte ich beschrieben, was Sie von mir erwarten können und was ich mir von Ihnen erhoffte. Ich zitiere aus meiner damaligen Begrüßung: „Ich trete meine Tätigkeit hier unter der Voraussetzung an, dass ich eine breite Palette der Inneren Medizin vertrete. Unser akademisches Lehrkrankenhaus soll den neuesten Stand der Medizin anbieten. Ich bin aber kein Medizintechniker, der Katheter in kranke Organe legt, nur weil der letzte Stand der Dinge dies ermöglicht. Dies gilt insbesondere für die Onkologie. Hospizliche und palliative Gedanken sollen vermehrt berücksichtigt werden.“  

Ich denke, Sie haben bekommen, was ich versprochen habe.

Mein Vorgänger Prof. Kremer hat beim Abschied folgende Worte an die Mitarbeitenden gerichtet: „Ich danke Ihnen, dass Sie mir geholfen haben, diesen schweren Karren zu ziehen.“ Damals habe ich das nicht verstanden. Heute weiß ich, wie Recht er hatte. So erfüllend die Arbeit auch war, so haben wir auch viel geschleppt und getragen. Das schafft man nicht alleine. Danken möchte ich deshalb meinen Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern. Ihnen ruft Heinrich Heine zu: „Wüsste ich nicht, dass die Treue so alt ist wie die Welt, so würde ich glauben, ein deutsches Herz habe sie erfunden.“ Am meisten mitgetragen aber hat meine Familie, die klaglos respektiert hat, dass ich so häufig in der Klinik war. Dafür mein besonderer Dank. 

In unserer Klinik war das Klima über all die Jahre und über alle Disziplinen hinweg freundlich und kollegial. Die hier so bodenständige Spiritualität hatte mich 1998 bewogen an diesem Katholischen Krankenhaus als Chefarzt anzufangen. Umso bitterer ist es zu sehen, dass unsere Kirche ihre Krankenhäuser nun aufgibt. Wir müssen Acht geben, dass die Kirche nicht die Welt verliert und die Welt nicht die Kirche.

Ich zitiere noch einmal aus meiner Antrittsrede: „Ich wünsche mir für meine Arbeitsstelle, die ein Stück Heimat für die nächsten 20 Jahre sein soll, ein Klima der Sympathie, wie es Max Frisch so wunderbar in seinen Tagebüchern beschrieben hat: „Sympathie hat Geduld, die Geduld der Hoffnung. Sie lässt uns stets eine weitere Chance. Der Schutzengel, die Sympathie, wir brauchen sie immerzu; wir haben ihn als Kind, sonst wären wir längst überfahren, wir verlassen uns auf ihn. Sympathie gibt das Gefühl, Luft unter den Flügeln zu haben. Anders der Partner, der keine Sympathie empfindet, der gerecht verbucht, was ist. Dies ist fürchterlich. Wehe dem Menschen, dem die Sympathie entzogen wird, wehe der Gesellschaft, der die Sympathie verloren geht.“ 

Ich bin dankbar, dass ich die Sympathie bekommen habe, die ich mir damals gewünscht hatte.

Nach der Bilanz kommt der Plan für die Zukunft. Dem Ambulanzen Hospiz Oberhausen e.V. und der Deutschen Leberstiftung werde ich als Vorstand erhalten bleiben. Ich würde mich freuen, wenn auch Sie unserem von den Krankenhäusern unabhängigen Ambulanten Hospiz die Treue halten. 
 

Was wünsche ich Christoph Zimmermann. Gerne folge ich hier Hanns Dieter Hüsch: "Ein harmloser Spaziergang, eine wohl temperierte Stille - und ab und zu eine Götterspeise, das ist das abendländische Endergebnis."

Mein Sohn hat schon eine für mich wichtige Veränderung eingeleitet und die Zeit abonniert, die ich so sehr mag und die ich abbestellt hatte, da ich lange eben keine Zeit sah, sie zu lesen. In der aktuellen Ausgabe vom 9. Januar ist dort eine Rede abgedruckt, die die kanadische Häuptlingsfrau Grandmother Marie Tardif beim Welttreffen der Religionsführer gehalten hat. Der Titel lautet: „Das prophezeien wir Ihnen!“  Meine Dankesworte möchte ich mit den letzten Zeilen aus dieser Prophezeiung schließen: „Kürzlich hörte ich im Radio eine alte Frau erzählen, wie sie den zweiten Weltkrieg in Frankreich überlebt hat. Am meisten beeindruckte mich, dass trotz des Schreckens der Besatzung die jungen Leute - so sagte sie - damals von unbändiger Hoffnung erfüllt waren. Heute dagegen weiß ich, dass unter jungen Leuten Hoffnungslosigkeit wächst, weil die Zukunft so ungewiss ist. Wenn es jedoch etwas gibt, zu dem wir Alten … beitragen müssen, dann ist es die Bewahrung und Verbreitung von Hoffnung.“ 

In diesem Sinn: Glückauf !               

Prof. Dr. med. Claus Niederau, 15.01.2020

Der Frühling in Sprache  und Lyrik

Die auf den Winter folgende Jahreszeit wird nach dem Grimmschen Wörterbuch der deutschen Sprache (http://dwb.uni-trier.de/de/das-woerterbuch/) erst seit dem 15. Jhd. Frühling genannt; zuvor waren die Bezeichnungen Lenz oder Glenz üblich. Im Althochdeutschen heißt es Lenzo (um 1000), im Mittelhochdeutschen Lenze (um 1200) und im Frühneuhochdeutschen schließlich Lenz (ab 15. Jh.). Glenz ist fast vollständig aus dem Sprachgebrauch verschwunden, Lenz gilt als „altmodisches Wort“, das am ehesten noch in der Sprache der Dichter verwendet wird. 

Astronomisch (www.wikipedia.de) beginnt der Frühling mit einer Tag-und-Nacht-Gleiche auf der Nordhalbkugel am 20./21. März und endet mit der Sommersonnenwende am 20./21. Juni. Meteorologisch beginnt der Frühlings Anfang März. In Mitteleuropa beginnt der Vorfrühling mit den Blüten der Schneeglöckchen, der Vollfrühling ist erst mit dem Blühen der Apfelbäume erreicht. 

Mit der Zunahme des Lichts werden im Frühjahr vermehrt Serotonin und andere Hormone ausgeschüttet, womit Allgemeinbefinden und Stimmung besser werden („Frühlingsgefühle“). 

In vielen Kulturen gibt es Frühlingsfeste und -riten. In der Kultur des Abendlandes widmen sich zahlreiche Gedichte (Petraca, Dante, Shakespeare, Schiller, Goethe, Heine u.a.), Gemälde (Primavera von Boticelli, Der Frühling von Giuseppe Arcimboldo) und Musikstücke (La primavera von Antonio Vivaldi, Le sacre du printemps von Igor Strawinski) dem Frühling. 

Auch in vielen japanischen  und chinesischen Gedichten werden Frühling und Baumblüte beschrieben. Gedichte sind in Japan schon lange beliebt. Im 10. Jhd. war die Lyrik dort so verbreitet, das der Kaiser ein „Ministerium für poetische Angelegenheiten“ schuf. Traditionell gibt es für das japanische lyrische Gedicht nur eine streng klassische Kurzform, die Tanka genannt wird. Daraus entwickelten sich ab dem 15. Jdt. die Haiku, die zur prominentesten Form japanischer Lyrik wurden. Die chinesische Dichtkunst reicht ebenfalls weit zurück. Der in der Qing-Dynastie (ab 1616) zusammengetragene Band „Alle Tang-Gedichte“ enthält über 48.900 Gedichte von mehr als 2.200 Dichtern. 

Aus der italienischen Lyrik stammen berühmte Frühlingsgedichte u.a. von Petrarca und Dante, , in England vor allem von William Shakespeare.

Die deutsche Lyrik hat sich seit dem Minnegesang auch mit dem Frühling beschäftigt. Berühmte Gedichte hierzu stammen von Wolfram von Eschenbach und Walther von der Vogelweide (um 1200). Alle Dichter der Klassik wie Goethe und Schiller haben bis heute bekannte Frühlingsgedichte geschrieben, ebenso wie die nachfolgenden romantischen Lyriker (Heine, Trakl, Mörike und Eichendorff u.a.). Auch die klassische Moderne hat wunderbare Gedichte zum Frühling geschrieben (Bertolt Brecht, Rose Ausländer, Paul Celan, Ingeborg Bachmann, Peter Huchel, Tomas Tranströmer,  Karl Krolow, u.a.). Die zuletzt genannten, noch vom Copyright geschützten Gedichte kann ich hier leider nicht zeigen. Man findet Sie aber im Buchhandel oder im Internet. 

Für mich haben Frühlingsgedichte schon seit der Jugend eine besondere Bedeutung. Unsere Abituraufgabe in Deutsch bestand im Mai 1973 in einem Vergleich des Mörike-Gedichts "Er ist's" mit dem Gedicht "Frühjahr" von Karl Krolow. Ich kann mich an keine der Aufgaben in Mathematik, Physik und Latein erinnern, sehr wohl aber an die Deutschaufgabe, an die ich auch nach fast 50 Jahren - so merkwürdig das klingen mag - mit Freude zurückdenke.

Claus Niederau im Frühling 2022

Blumenwiese am Niederrhein bei Kevelaer im Juni 2021

Einführung zu den Kamelien

Die Kamelien (Camellia) gehören zu den Teesträuchern; die bekannteste ist die Camellia japonica. Die Namensgebung durch Carl von Linné geschah zu Ehren von Pater Georg Joseph Kamel (1661–1706), der die Camellia japonica von Manila nach Spanien brachte.

Nach Wikipedia ist die Gattung auf Ost-Asien beschränkt. Zentrum der Artenvielfalt ist Südchina. Kamelien seien nicht frosthart und würden nur kurze Frostnächte überstehen. Hier am Niederrhein wachsen im eigenen Garten inzwischen seit mehr als 15 Jahren fünf verschieden-farbige Kamelienarten (s. Bilder); sie haben trotz einiger harter Winter ohne Schutz teilweise eine Größe 2,5 m erreicht. Einige Sorten blühen schon Ende Januar, andere bis in den Mai.

In chinesischen und japanischen Gärten ist die Kamelie seit Jahrhunderten ein beliebter Zierstrauch. Sie spielte bei Hof- und Teezeremonien eine große Rolle. Besonders die einfach-blütigen Arten stehen symbolisch für Freundschaft, Eleganz und Harmonie. In Japan, wo die Kamelie tsubaki (jap. 椿) genannt wird, hat sie eine weitere symbolische Bedeutung. Sie verliert ihre roten Blütenblätter einzeln. Wenn noch Schnee liegt, erinnern die Blätter an Blutstropfen. Daher wird die Blüte in Japan auch als Symbol von Tod und Vergänglichkeit gesehen. 

Erstmals in Europa beschrieben wurde sie 1692 von George Meister im Reisebericht "Der Orientalisch-Indianische Kunst- und Lust-Gärtner". Die ersten schriftlich dokumentierten Kamelien Europas wurden 1739 in den Gewächshäusern von Thorndon Hall in Essex gezeigt. Vermutlich stammten sie aus China. Es handelte sich um eine rotblühende und eine weißblühende Kamelie. 

Seit der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts verbreiteten sich Kamelien in vielen europäischen Schlossgärten. 1771 kam eine Kamelie in die Hofgärtnerei Dresdens und wurde 1801 im Park von Schloss Pillnitz gepflanzt, wo die karminrot blühende Pflanze bis heute steht.
  

Die französische Kaiserin Josephine liebte Kamelien. Die Kamelie gehörte so im 19. Jahrhundert zur adligen und großbürgerlichen Kultur, was sich auch in Alexandre Dumas Roman "Die Kameliendame" ausdrückte. Sein 1848 erschienener Roman wurde Vorlage für Verdis Oper "La Traviata". In beiden wurde der Kamelie kulturgeschichtlich ein Denkmal gesetzt. Der Stoff wurde mehrfach verfilmt, u. a. mit Greta Garbo. In Dumas Roman ist Madame Marguerite Gautier die Königin der Pariser Halbwelt, schön und rätselhaft. Kamelien sind die einzigen Blumen, die sie entgegennimmt. Madame schwärmte für rote oder weiße Kamelien, die sie auch als Signal für ihre Liebhaber nutzt; mit roten Blüten wies sie darauf hin, dass ein Besuch nicht nach Wunsch ausfallen würde, weiße bedeuteten „sei willkommen“. Auch Fontane beschreibt die Schönheit der Kamelien in „Effi Briest“.

In der klassischen Lyrik von Shakespeare bis Goethe und Heine taucht die Kamelie hingegen nicht auf, wohl weil sie damals hier noch nicht heimisch war. In den Haikus hingegen ist die Kamelie schon lange ein bekanntes Motiv. Das erste mir bekannte deutsche Kamelien-Gedicht stammt von Hannes Trojan aus dem Jahr 1837.  Später wurde die Kamelie in der Literatur und Lyrik ein beliebtes Motiv.

Gabrielle 'Coco' Chanel wurde die weiße Kamelie japonica alba schon früh zur Lieblingsblume und damit später zur Ikone ihres Modehauses (1883-1971). Von den 1920er Jahren bis in die aktuellen Kollektionen findet man die Kamelie auf vielen Chanel-Kollektionen wie Taschen, Jacken, Knöpfen, Uhren und Schmuck. Die geruchlose Kamelie zog Gabrielle Chanel wohl auch deshalb anderen Blumen vor, da sie den charakteristischen Duft des Parfums Nr. 5 nicht beeinträchtigte.

In Europa symbolisiert die weiße Kamelie heute Hingabe, Reinheit und ewige Treue, so dass sie häufig für Brautsträuße verwendet wird. 
 

Claus Niederau im Februar 2022

Literatur in https://de.wikipedia.org/wiki/Kamelie und  https://bellevue.nzz.ch/mode-beauty/die-kamelie-alles-ueber-die-blume-die-coco-chanel-so-liebte-ld.1759559

Bild: Rosa Kamelie im heimischen Garten im Februar 2022,
 

 Grußwort zum 30-jährigen Bestehen der Gaucher Gesellschaft Deutschland e.V. (GGD)

Gerne übernehme ich die Aufgabe, ein Grußwort der Ärzt:innen zum 30-jährigen Bestehen der GGD zu sprechen. Bei der Gründung der GGD habe ich Pate gestanden und komme bis heute gerne zu Ihren Treffen. Dies trifft wahrlich auf alle deutschen Gaucher-Ärzt:innen zu. Warum unterstützen wir so gerne die GGD? 

Hier spielt der Begriff Partizipative Entscheidungsfindung eine große Rolle. Das Wort Partizipieren kennen Sie als Teilnehmen oder Teilhaben. In der Medizin wird Partizipative Entscheidungsfindung definiert als eine Interaktion mit dem Ziel, unter gleichberechtigter Beteiligung von Patient:in und Ärzt:in auf der Basis geteilter Informationen zu einer gemeinsam verantworteten Übereinkunft zu kommen. Auch die WHO versteht die gemeinsame Entscheidungs-findung als beste Form der Arzt-Patient-Interaktion, da sie mündige und informierte Patient:innen in den Mittelpunkt rückt. Patient:innen und Ärzt:innen begegnen sich in diesem Modell als gleichberechtigte Partner:innen. Tatsächlich fällt die theoretische Zustimmung zu diesem Wunschmodell bei Ärzt:innen mit 75% noch stärker aus als in der Allgemeinbevölkerung. Wunsch und Wirklichkeit klaffen in der Behandlungsrealität aber noch weit auseinander. Dies liegt nicht nur am Unwillen der Ärtz:innen, sondern sicher auch an ökonomischen und zeitlichen Zwängen. Viele von uns müssen aber noch lernen, dass die Interaktion mit Patient:innen umso leichter und schneller klappt, je besser sie informiert sind. 

Patientenorganisationen können dazu beitragen, die Patient:innen unabhängig und mit einer für sie verständlichen Sprache zu informieren, zu stärken und zu ebenbürtigen Partner:innen der Ärzt:innen zu machen, die sich ja eben solche Partner:innen wünschen. 
 
 Ihre GGD-Treffen dienen nicht nur zum Gewinn neuer Kenntnisse, sondern auch zum Austausch von Erfahrungen. Probleme werden in der Gruppe angesprochen, schon dadurch fühlt man sich weniger isoliert und geborgen. Jeder kann an den Sorgen anderer Anteil nehmen und oft erkennt man so auch neue Lösungsmöglichkeiten.

Das Miteinander in einer Gruppe ist immer auch ein Prozess der Selbstentwicklung. Durch den Umgang miteinander können alle selbst- und problem-bewusster werden und die gewonnene Sicherheit auf den persönlichen Alltag übertragen.

Durch eine Regelmäßigkeit der Treffen entsteht ein stützender Zusammenhalt, der Mut macht zu neuen Aktivitäten und verändertem Verhalten. Oftmals entwickeln sich auch sehr persönliche Beziehungen.

Wenn - wie bei Ihnen - Betroffenheit und Engagement einhergehen, entwickelt sich Kompetenz. Im gemeinsamen Handeln einer Gruppe können gerade Patient:innen mit seltenen Erkrankungen ihre Interessen gegenüber Medizin, Industrie, Krankenkassen, Versicherungen und Politik hörbar machen und besser durchsetzen.

Patientenverbände sollten sich insbesondere um die Menschen kümmern, die sich keine ebenbürtige Partnerschaft mit einem „Gott in Weiß“ vorstellen können oder wollen. Es gibt viele Belege, dass die Schwächsten unter Ihnen am meisten von der Selbsthilfe profitieren.

Letztlich ist die partizipative Entscheidungsfindung der Wunsch, an Entscheidungsprozessen direkter teilzunehmen. Im allgemeinen gesellschaftlichen Zusammenleben ist eine solche partizipative Entscheidungsfindung eine Teilmenge der partizipativen Demokratie. Max Frisch hat diesen Gedanken so beschrieben: "Demo­kratie heißt, sich in die eigenen Angelegenheiten einzu­mischen." 

"Demo­kratie heißt, sich in die eigenen Angelegenheiten einzu­mischen."  
Genau dies mögen Sie auch weiter tun.

Vielen Dank. 
                            

Claus Niederau, Wiesbaden, 19.11.2022

„Kommst Du in den Garten? Ich möchte Dich gerne meinen Rosen zeigen“, so Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) [1]. 

Meine Frau und ich lieben Rosen. Nahezu alle die Gedichte begleitenden Rosenbilder sind Fotografien aus unserem Garten. Viele Rosen stammen aus Lottum, dem Rosendorf an der Maas in der Nähe von Arcen. Meine Frau kümmert sich eher um das Düngen und die Gesundheitspflege der Rosen, ich mehr um das Schneiden; gemeinsam wässern wir in der warmen Jahreszeit und beide fotografieren gerne. Die Aquarelle meiner Frau finden Sie unter www.kunstniederau.de, Fotos und Gedichte auf dieser Webseite. Auf Youtube finden Sie gesprochene Texte und gesungene Lieder zu Rosengedichten, so spricht Louise Glück ihr Gedicht „The white rose“ [2]. Es gibt viele ältere und moderne Vertonungen von Goethes „Heidenröslein“, von den Comedian Harmonists [3] über Schuberts Kunstlied [4] bis zu Helen Schneiders Interpretation [5]. Sehr zu empfehlen ist es auch, sich anzuhören, wie Carol Anne Duffy ihr eigenes Gedicht „Valentine“ vorliest [6]. Robert Burns berühmtes Gedicht “My love is like a red red rose” wird als Lied in einem Beitrag der BBC von Rachel Sermanni schöner gesungen, als man es sprechen könnte [7].

Herkunft und Botanik [8-11]

Erste fossile Funde von Wildrosen stammen aus Colorado; sie sind etwa 30 Millionen Jahre alt. Die Pflanzengattung der Rosaceae (100-250 Arten) verbreitet sich aber vermehrt erst nach der letzten Eiszeit (ab 11.000 v. C.). Typische Merkmale der Rosen sind Stacheln, Hagebutten und unpaarig gefiederte Blätter. Die ursprünglichen Rosensträucher haben fünfzählige Blüten und sind nur in der Holarktis (nicht tropische Gebiete der Nordhalbkugel) verbreitet. Stamm, Äste und Zweige haben Stacheln, die häufig Dornen genannt werden. Gärtnerisch wird zwischen Wildrosen und Kulturrosen unterschieden.
 
Pflege der Rosen [12-13]

Nach einer geläufigen Regel wird der Trieb bei verblühten Rosen bis kurz über das erste vollentwickelte 5-fiedrige Blatt zurückgeschnitten. Der Frühjahrsschnitt erfolgt, wenn die Forsythien blühen. Der Rosenschnitt sollte leicht schräg etwa 5 mm oberhalb einer Knospe verlaufen. Alle öfter blühenden Beetrosen kann man auf 20 cm herunterschneiden, Strauchrosen weniger stark. Moderne Sorten sind so stark blühend, dass sie ohne Frühjahrsschnitt auskommen; Kletterrosen muss ebenfalls nicht unbedingt schneiden. Einmalblühende Strauchrosen schneidet man erst im Sommer. Wildtriebe haben meist mehr als die regulären fünf Fiederblättchen. Man sollte sie besser abreißen, um Nebenwuchsknospen zu entfernen.
Beim Wässern sollte man darauf achten, die Blätter nicht zu benetzen. Am besten wässert man früh mor­gens, um die Rosen vor Sonnenbrand zu schützen; beim abendlichen Wässern droht Pilzbe­fall. Die Häufigkeit hängt vom natürlichen Niederschlag und den Temperaturen ab, wobei folgende Grundregeln gelten; bei über 30 Grad täg­lich wässern, bei 10-30 Grad al­le 2-3 Ta­ge und bei 15-20 Grad einmal pro Woche. Neu ge­pflanz­te Ro­sen be­nö­ti­gen mehr Was­ser als ältere und im späten Herbst sollte man nur bei ho­hen Tem­pe­ra­tu­ren we­nig wässern. 
Das Blühen kostet die Rose viel Kraft, weshalb sie nicht nur Wasser, sondern auch Nährstoffe braucht, vor allem im Frühjahr. Meist erwachen Rosen Ende März/Anfang April aus ihrem Winterschlaf. Spätestens mit dem ersten Blattaustrieb wird es Zeit, sie zu düngen. Bei mehrfach blühenden Rosen empfiehlt sich eine zweite Düngung Ende Juni/Anfang Juli.
Rosen sind anfällig gegenüber verschiedenen Krankheiten z. B. den Pilzkrankheiten Sternrußtau und Mehltau sowie dem Befall durch Blattläuse. Hiervor sollte man die Blumen prophylaktisch schützen.

Mythologie und Symbolik der Rosen [11]

Schon 700 v. Chr. berichtet Homer von Rosen und um 600 v. Chr. besingt Sappho die Rose als „Königin der Blumen“ [14]. Der alexandrinische Schriftsteller Achilleus Tatios (2 Jh. v. Chr.) schrieb über die Rose: „Sie ist die Zierde der Erde, der Stolz des Pflanzenreichs, die Krone der Blumen, der Purpur der Wiesen, der Abglanz des Schönen.“ Rosenbilder wurden 600 v. Chr. im Knossospalast auf Kreta gefunden, später auch in Fresken aus Pompeji.  In Alexandria flutete Kleopatra ihre Schlafgemächer kniehoch mit Rosenblättern, um Julius Caesar und Mark Antonius zu betören. Bei den Griechen waren die Rosen der Göttin Aphrodite geweiht, bei den Römern der Venus. Die Römer kultivierten Rosen zur Parfümherstellung und als Heilpflanze; sie schwelgten auf Rosen; aus dieser Zeit stammt der Begriff „Auf Rosen gebettet". In der griechischen Mythologie wurde Aphrodite, die Göttin der Liebe, mit einem weißen Rosenstrauch aus dem Schaum des Meeres geboren. Die rote Farbe erhielt die Rose erst durch Aphrodites Ehebruch mit dem schönen Adonis. Auf dem Weg zu ihrem sterbenden Liebhaber trat Aphrodite in Rosendornen und färbte mit ihrem Blut die weißen Rosen rot. So steht die weiße Rose für die Reinheit der Liebe, während roten Rosen Begierde und Leidenschaft symbolisieren. Die Rose steht nicht nur für die Liebe, sondern auch für die Verschwiegenheit. „Sub rosa“ sagte man im Mittelalter, wenn man Geheimes sagen wollte. So nannte sich auch die deutsche Widerstandsgruppe gegen die Diktatur des Nationalsozialismus „Weiße Rose“.

Rosenzüchtung [8-9, 11]

3000 v. Chr. erste Rosenzüchtungen in China; 500 v. Chr. berichtet Konfuzius von umfangreichen Rosenpflanzungen in den kaiserlichen Gärten in Peking.

Um 50 v. Chr. betört Kleopatra Julius Caesar und Mark Antonius mit Rosendüften; bei den Römern wurde die Rose zu einem beliebten Luxusgut.

794 verordnet Karl der Große den Anbau der Rose als Heilpflanze.

1150 beschreibt Hildegard von Bingen in den „Physica“ die Rose als eines der schönsten Heilmittel. 

1570 bringen die Kreuzritter die betörend duftende „Rosa damascena“ aus dem Orient nach Westeuropa; sie eignet sich bestens für die Gewinnung von Rosenöl.

In der Renaissance werden in Europa neue Kulturrosen entwickelt, ein Grundstock der europäischen Gartenkultur. 

Im Barock und im Rokoko setzt sich die Rose in Europa als Königin der Blumen durch und hält Einzug in viele Stadtgärten. 

1752 erfolgt erstmals die Kreuzung der Chinarose mit europäischen Rosen; dies führt zu Entstehung der mehrfach blühenden Teehybriden.

Ab 1900 werden ostasiatische Wildrosen in Europa für die Züchtung von Kletterrosen genutzt.

1959 wird die Allgemeine Deutsche Rosenneuheitenprüfung (ADR) (W. Kordes) eingeführt; nun spielen Winterhärte und Robustheit gegen die Rosenkrankheiten eine große Rolle, zunehmend duften aber nun auch ADR-Rosen.

Ab 1960 vereint der Brite David Austin den Charme der Alten Rosen (einmalblühend, duftend) mit den Vorzügen moderner Rosen (öfter blühend, nicht duftend); seine Rosen heißen „Englische Rosen“ [9].

Der größte Teil der nach Deutschland importierten Rosen stammt heute aus den Niederlanden und ein erheblicher Anteil davon aus dem Rosendorf Lottum an der Mass unweit von Arcen.

Kulinarische Bedeutung der Rosen [15]
Heute wird Rosenwasser bei der Marzipanherstellung verwendet sowie in Rosenkonfitüre. Die türkische Küche verwendet Rosenwasser noch in vielen weiteren Rezepten. Kandierte Rosenblätter werden gerne zum Dessert gereicht. Die essbaren Blumenblätter der Rosen eignen sich auch zur Dekoration von Speisen und Backwaren. Mit ihnen lassen sich zudem elegante Cocktails kreieren. Schon die Römer dekorierten den Inhalt ihrer Weingläser mit Blütenblättern von Rosen und stellten Rosenwein her. Der französische „Drei Sterne Koch“ Alain Passard hat eine Rosenblüte als Vorlage für sein berühmtes Dessert „Rosebud“ gewählt [16].

Rosen in der Heraldik und Malerei [11]

Rosen zieren Wappen von Personen, Familien, Städten und Staaten; bekannte Beispiele sind Luther, die Tudor-Dynastie, Kevelaer, Nordrhein-Westfalen und Finnland. Eine fünfblättrige Rose diente als Vorbild für berühmte gotische Fensterrosetten wie die in den Kathedralen von Chartres und Notre-Dame in Paris. Zu den Rosenliebhaberinnen zählte Kaiserin Joséphine, deren Garten durch Gemälde von Redouté bekannt wurde. Auch in der Malerei ist die Rose wohl das häufigste Blumenmotiv, von den Fresken in Knossos und Pompeji über mittelalterliche Marienmotive bis zu Salvatore Dali und Anselm Kiefer. Besonders bekannt sind die weißen Rosen von Vincent van Gogh und die Rosengemäle von Pissaro, Manet und Renoir.

Rosen-Düfte [11]
Rosen haben die seltene Eigenschaft, zahlreiche Düfte zu entwickeln; sie riechen z. B. nach Veilchen, Apfel, Banane, Maiglöckchen, Myrrhe und Pampelmusen. Viele Wildarten und "Alte Rosen" duften; die Züchtung winterharter Sorten gelang zunächst nur durch das Einkreuzen von gegen Mehltau und Rost unempfindlicheren, aber nicht duftenden Wildarten. Seit 50 Jahren können Charme und Duft der alten Sorten aber mit der Blühfreudigkeit und Gesundheit moderner Rosen vereint werden.

Für die Parfümherstellung wird Rosenöl benutzt. Die Rosenölgewinnung in großem Maßstab geht auf den Rosenanbau in Bulgarien auf die Zeit um 1700 zurück. Rosenöl wird durch Wasserdampf-Destillation aus Blütenblättern gewonnen, wobei für 1 L Rosenöl 5 Tonnen Blütenblätter nötig sind; die Kosten für diesen Liter betragen 3.000-10.000 Euro. Rosenöl ist neben Jasmin häufig in Parfüms enthalten. Berühmte Rosendüfte trugen z. B. Marylin Monroe, Sophia Loren und heute Rihanna. 

Rosen in der Lyrik [17]

Goethes Heidenröslein ist das wohl bekannteste deutschsprachige Rosengedicht [18]. Obwohl es auf einem schlichten Volkslied fußt, ist Goethes Text tiefgründig. Seine ursprüngliche Vertonung als Volkslied kann bis heute fast ein jeder singen; Schubert hat es zu einem seiner bekanntesten Kunstlieder gemacht. Auch der Text des Songs „Rosenrot“ von Rammstein fußt auf Goethes Gedicht; „Rosenrot“ ist etwa 139 Millionen Mal auf Youtube gestreamt und damit insgesamt Deutschlands erfolgreichster Musikexport [19]. Heine und Rilke haben viele wunderbare Verse über die Rose geschrieben [20-22]. Rilkes Grabspruch über die Rose gibt bis heute Rätsel auf. In Deutschland gab es nach dem Zweiten Weltkrieg zunächst eher dunkle Rosengedichte, z. B. von Ingeborg Bachmann und Paul Celan; genannt seien z. B. „Gewitter der Rosen“ und „Niemandrose“ [23-24]. In der englisch-sprachigen Lyrik spielt die Rose eine herausragende Rolle von William Shakespeare [25] über William Blake [26-27] und William Butler Yeats [28] bis zu Lisel Mueller [29] und Louise Glück [30]. Louise Glück hat ein Gedicht über „The white rose“ geschrieben und eines über die rote Rose mit dem Titel „Brennende Liebe“. In ihrem Gedichtzyklus „Wild Iris“ unterhalten sich Blumen, Gärtner und Gott; die lyrischen Gespräche eröffnen wundersam neue Perspektiven [30] so wie sie Heinrich Heine schon 1830 angedeutet hatte: „Wenn du eine Rose schaust, sag ich laß sie grüßen“, so  [20].

Das Genom der Rose [31]

Das Genom der Rose ist komplex aufgebaut und war schwierig zu sequenzieren. Vor einigen Jahren konnte nun das Genom der aus China stammenden Rose „Old Blush“ vollständig entschlüsselt werden [31]. Diese Rose besitzt sieben Chromosomenpaare und mehr als 36.000 Gene – und damit mehr als der Mensch mit seinen etwa 25.000 Genen. 

Mit der Kenntnis des Genoms wurden dann kürzlich mehrere Gene identifiziert [32-38], die für Zeit und Häufigkeit der Blüte, Zahl und Farbe der Blütenblätter, Duft der Blüten sowie Anfälligkeit für Kälte und Schädlinge verantwortlich sind. Mit Hilfe dieser Informationen können in der Zukunft bestimmte Merkmale der Rose gezielt beeinflusst werden.

Literaturhinweise

1. Richard Brinsley Sheridan, Frances Edward Stainforth. The Works of Richard Brinsley Sheridan. Legare Street Press 2022.
2. https://www.youtube.com/watch?v=PgOE1XVxdJU
3. https://www.youtube.com/watch?v=1GLthOJ9n1Y
4. https://www.youtube.com/watch?v=Ifuwo9iNf7E
5. https://www.youtube.com/watch?v=5P3cwbGjJUE
6. https://www.youtube.com/shorts/tY3BvBkX2Ok
7. https://www.youtube.com/watch?v=BvrnVFaIxZY
8. Peter E. Kukielski, Charles Phillips. Rosen: Die Geschichte der Rose. Gerstenberg Verlag 2022.
9. David Austin et al. Englische Rosen. Tradition und Schönheit. DuMont Verlag 1994.
10. Angelika Throll. Rosen: Die besten Sorten europäischer Züchter. Über 650 Rosen im Porträt. Franckh Kosmos Verlag 2010.
11. https://de.wikipedia.org/wiki/Rosen
12. Silke Kluth. Rosen pflegen: Schritt für Schritt zum Rosenparadies. Gräfe Unzer Verlag 2016.
13. Andreas Barlage. Das große Ulmer Rosenbuch: Verwendung, Pflege und Sorten für jede Gartensituation. Eugen Ulmer Verlag 2018. 
14. Sappho. The Complete Poems of Sappho. Shambhala Verlag 2009.
15. Eleanour Sinclair Rohde. Rose recipes from olden times. Dover Verlag 1973.
16. https://www.papillesetpupilles.fr/2018/01/tarte-bouquet-de-roses-alain-passard.html/
17. Eva Hoffmeier. Die Königin der Blumen: Rosen in Bild und Gedicht. Reclam Verlag 2022. 
18. Johann Wolfgang von Goethe. Sämtliche Gedichte. Insel Verlag 2007.
19. https://www.youtube.com/watch?v=af59U2BRRAU
20. Heinrich Heine. Sämtliche Gedichte in einem Band. Insel Verlag 1992.
21. Rainer Maria Rilke. Rosen - Les Roses: Gedichte französisch-deutsch. Ars Vivendi Verlag 2012.
22. Rainer Maria Rilke. Die Gedichte: Rilkes lyrisches Werk in einem Band. Insel Verlag 2006.
23. Ingeborg Bachmann. Sämtliche Gedichte. Piper Verlag 2003.
24. Paul Celan. Die Niemandsrose / Sprachgitter: Gedichte. Fischer Verlag 2017.
25. William Shakespeare. Die Blumen bei Shakespeare: Mit Bildern von Maria Sibylla Merian. Ars Vivendi Verlag 2013.
26. William Blake. The Complete Poems. Penguin Verlag 1977.
27. https://www.youtube.com/watch?v=RkIAQgy_F1E
28. William Butler Yeats. Poems. Mint Editions Verlag 2021.
29. Lisel Mueller. Alive Together: New and Selected Poems. LSU Press Verlag 1995. 
30. Louise Glück. Poems 1962-2012. FSG Verlag 2013.
31. Raymond O. et al. The Rosa genome provides new insights into the domestication of modern roses. Nature Genetics 2018; 50: 772-777.
32. Liu J. et al. Genome-wide analysis reveals widespread roles for RcREM genes in floral organ development in Rosa chinensis. Genomics 2021; 113: 3881-3894. 
33. Kawamura K. et al. The identification of the Rosa S-locus provides new insights into the breeding and wild origins of continuous-flowering roses, Horticulture Res 2022; 9: uhac155.
34. Shi S. et al. Genetic and Biochemical Aspects of Floral Scents in Roses. Int J Mol Sci 2022; 23: 8014.
35. Song X. et al. Genome-Wide Identification of Rose  SWEET Gene Family in Cold Response between Two Rose Species. Plants 2023; 12: 1474. 
36. Jian H. et al. Identification and Validation of Reference Genes for qRT-PCR Analysis of Petal-Color-Related Genes in Rosa praelucens. Genes 2024: 15: 277.
37. Wang D. et al. Molecular and genetic regulation of petal number variation. J Experimental Botany 2024: erae136.
38. Zhang X. et al. Haplotype-resolved genome assembly of the diploid Rosa chinensis provides insight into the mechanisms underlying key ornamental traits. Mol Horticulture 2024; 4: 14.
    
    

Claus Niederau im Mai 2024

Bild: Rose Santana im Garten. Juni 2001.

Gedanken und Gedichte zum Monat April

Der April (lateinisch Aprilis) ist im gregorianischen Kalender der vierte Monat des Jahres; im römischen Kalender war der Aprilis ursprünglich der zweite Monat, weil der März mit dem Beginn des Frühjahrs das neue Jahr einläutete [1-2]. Im Jahr 153 v. Chr. wurde der Jahresbeginn auf den 1. Januar verlegt, weshalb der Monat Aprilis an die vierte Stelle im Kalender rückte [1-2] Nach der Kalenderreform des Julius Caesar wurde der April von 29 auf 30 Tage verlängert [1].

Etymologisch gibt es nach dem Grimmschen Wörterbuch der Deutschen Sprache und dem Digitalen Wörterbuch der Deutschen Sprache (DWDS) keine gesicherte oder allgemein akzeptierte Herleitung des Namens April [3-4]. Da alle anderen Namen der ersten Jahreshälfte nach Göttern benannt sind, wird spekuliert, ob April nicht von Aphrodite (Kurzform: Apris) abstammt, zumal die Göttin der Liebe zur Jahreszeit des Frühlings passt [1-4].
 
Nach anderen Deutungen könnte sich der Name April auf die sich öffnenden Knospen im Frühling beziehen in Ableitung vom lateinischen Wort „aperire“ („öffnen“) [3-4]. Eine weitere Deutung benennt das Wort „apricus“ („sonnig“) als Ursprung des Wortes April; eine andere Deutung nimmt an, dass April vom lateinischen Wort “apero“ („der hintere“) stammt, da der April ursprünglich der zweite Monat des mit dem März beginnenden römischen Jahres war [3-4]. Zur Regierungszeit von Kaiser Nero wurde der Monat April Nero zu Ehren in Neroneus umbenannt; unter Kaiser Commodus Pius hieß der Monat vorübergehend Pius, beide Umbenennungen konnten sich nicht durchsetzen [1].
 
Der April hieß im Deutschen nach Einführung durch Karl den Großen im 8. Jahrhundert zunächst Ostermond und später Ostermona (althochdeutsch: ostaramond bzw. ostarmanoth) [3]. Frühere, nicht mehr gebräuchliche Bezeichnungen des April waren Wandelmonat, Grasmond oder Launing [3].
 
Es existieren eine Reihe von Bräuchen und Redewendungen zum Monat April [1-4]: Der Legende nach wurde Luzifer am 1. April aus dem Himmel verstoßen. Die Sitte, jemanden „in den April zu schicken“, also am 1. April mit einer erfundenen Geschichte zum Narren zu halten, stammt angeblich [2] aus dem 16. Jahrhundert aus Frankreich. Erwähnenswert ist aber, dass in den Canterbury Tales schon um 1375 von einem April-Scherz die Rede ist, so dass der Ursprung wohl eher in England liegt. Im deutschen Sprachraum tritt die Redensart erstmals 1618 in Bayern auf. Es heißt seitdem: „Am 1. April schickt man den Narren, wohin man will.“ Aprilwetter steht für wechselhaftes Wetter: „April, April – der macht, was er will“ [3-4].
 
Die Wetter- und Schauer-Kapriolen des April spielen auch in der Lyrik eine große Rolle. Mehr als 1000 englischsprachige April-Gedichte sind im Internet beim „Poemhunter“ [5] zu finden, 35 besonders interessante bei „Discoverpoetry“ [6].
 
Die beiden wohl berühmtesten Aprilgedichte stammen aus dem englischsprachigen Raum und umspannen mehr als 600 Jahre. So beginnen die um 1375 datierten Canterbury Tales von Geoffrey Chaucer mit den Schauern des April und T.S. Eliot beginnt 1922 sein berühmtes Gedicht „The Waste Land“ mit der Zeile „April is the cruellest month“. Anknüpfend an T.S. Eliot schrieb William Carlos Williams 1923 sein Gedicht „April Is The Saddest Month”; dieses kurze, komplexe Werk behandelt mit einer einfachen Alltagssprache Vergänglichkeit, Erinnerung und Sehnsucht.
 
Im Jahr 1922 schrieb Carl Sandburg sein Gedicht „Just before April came“; hier „feiert die Natur ihr altes Festival“. Ganz im Gegensatz zu T.S. Eliot rühmt Arthur Symons 1892 den „Miraculous April“ in der ersten und letzten Strophe des Gedichts „April Midnight“ als Zeichen des Frühlings. Auch Langston Hughes preist in seinem kurzen Gedicht “April Rain Song” die Wärme des April-Regens; ähnlich beschreibt Longfellow den April am Anfang seines Gedichtes: „When the warm sun has returned again“. Auch Sara Teasdale widmet sich dem Regen und der „Windy Grace“ des April. Edna Millay fragt, warum der April eigentlich jedes Jahr zurückkehrt, denn: „beauty is not enough“; April comes like an idiot, babbling and strewing flowers“.
 
Louise Glück verleiht in vielen ihrer Gedichte der Natur eine literarische Stimme; Blumen sprechen zu uns und wir sprechen mit den Blumen – in der Tradition des Franz von Assisi und Heines Versen folgend: „Wenn Du eine Rose schaust, sag, ich lass sie grüßen“. Im April-Gedicht von Louise Glück spielen Blaustern und Duftveilchen Hauptrollen; leider ist das Gedicht nicht im „public domain“; Sie müssten es suchen; ohnehin mag es an der Zeit, ihr Buch mit den Gesammelten Gedichten [7] zu erwerben, falls es nicht schon bei Ihnen im Regal steht.
 
Allein 100 deutschsprachige Gedichte zum Thema April findet man in der Deutschen Gedichte Bibliothek [8] und weitere im Reclamheft „April Gedichte“ [9]. Ich habe hier einige ausgesucht und mit eigenen Fotografien aus dem April kombiniert.
 
In seinem Gedicht „Aus einem April“ beschreibt Hoffmann von Fallersleben schon 1843 den 1. April: „Die Nachbarn rufen laut: April, April! Man schickt den dummen Narren wie man will.“ Aufgegriffen hat die Narren-Idee des 1. April Joachim Ringelnatz in seinem irrsinnig wunderbaren Kurzgedicht „Das Ei“.
 
Ähnlich wie einige englischsprachige Dichter (s.o.) beginnt auch Theodor Fontane seinen Spaziergang am Berliner Kanal mit dem April-Regen: „Eine Regenwolke stand am Himmel; aber nichts schöner als kurze Aprilschauer, von denen es heißt, dass sie das Wachstum fördern.“
 
Im deutschsprachigen Raum beschäftigen sich u. a. Emanuel Geibel (1843), Otto Baisch (um 1880), Detlef von Liliencron (1889), Julius Rodenberg (1889), Rainer Maria Rilke (1900) und Georg Heym (1911) mit den besonderen Aspekten des April-Wetters. Ihre Gedichte finden Sie im folgenden Kapitel. Auch in der modernen Lyrik und Literatur hat der April seinen Platz, so bei Marie Luise Kaschnitz, Hilde Domin, Rose Ausländer, Hermann Hesse, Peter Huchel und Karl Krolow; ihre Werke sind aber noch vom Copyright geschützt und können deshalb hier nicht vollständig wiedergegeben werden.

Zwei besonders schöne moderne April-Gedichte seien hervorgehoben: „Die Welt riecht süß – nach Gestern“, so beginnt und endet das April-Gedicht von Hilde Domin. Rose Ausländer personifiziert den April trefflich so: „Und doch - im großen und ganzen - ein prächtiger Kerl - dieser April“.
 
Nun denn: Haben Sie viel Freude mit diesem prächtigen Kerl!
 
Literatur

1. https://de.wikipedia.org/wiki/April 
2. https://www.wissen.de/wortherkunft/april 
3. https://woerterbuchnetz.de/?sigle=DWB&lemid=A00001 
4. https://www.dwds.de/d/zitieren 
5. https://www.poemhunter.com/poems/april/page-50/ 
6. https://discoverpoetry.com/poems/april-poems/ 
7. Louise Glück. Collected Poems. 1962-2012. FSG 2012, NY. ISBN 978-0-374-53409-7
8. https://gedichte.xbib.de/April_gedichte_recherche.htm 
9. E. Polt-Heinzl, C. Schmidjell (Hrsg.): April Gedichte, Philipp Reclam, Stuttgart 2014 

 
Claus Niederau im April 2024.

Bild: Erste Pfingstrosen blühen schon im frühen April.

Die Farbe BLAU:  Natur- und Geisteswissenschaftliches

Prof. Dr. med. Claus Niederau. Im Mai 2025.

Inhaltsverzeichnis

•  Etymologie
•  Umfragen zu Beliebtheit von Farben
•  Blau: Assoziationen, Symbolik und Werbung
•  Physik und Psychologie
•  Philosophie
•  Geschichte
•  Blau in Stoffen und Kleidung
•  Blau in Fauna und Flora
•  Wie funktionieren Farb-Pigmente
•  Blaue Augen
•  Warum sind Himmel und Meer blau
•  Farb-Mischungen
•  Farb-Illusionen
•  Farb-Nomenklatur
•  Malen mit blauen Farb-Pigmenten
•  Musik: Der Blues
•  Lyrik und Literatur

Etymologie
In der deutschen Sprache stammt das Wort „blau“ vom althochdeutschen plâo und vom mittelhochdeutschen blâwes ab, wobei blâwes später auslautend neuhochdeutsch in blau mündet (1); im Englischen heißt diese Farbe blue, im Französischen bleu und im Italienischen blu, azzuro oder celeste. Viele Sprachen haben kein übergeordnetes, allgemeines Wort für Blau, sie verwenden mehrere Worte für verschiedene Blautöne; dies ist z. B. im Italienischen der Fall, wo blu ein eher dunkles Blau, azzuro das Blau des Mittelmeeres und celeste ein helles Himmelsblau bedeuten (2-3). Viele andere Sprachen nutzen dasselbe Wort für grün und blau, so dass hierfür aktuell auch das Wort „grue“ benutzt wird (Beispiele: Vietnam, Japan, Maja, Maori, Sioux, Warlpiri-Australia, Yupik-Eskimo) (3-5).

Umfragen zu Beliebtheit von Farben
Welche Farbe mögen sie am liebsten? Weltweit ist heute die Farbe Blau in den meisten Ländern am beliebtesten, meist gefolgt von Rot oder Grün (internationale Umfrage im Jahr 2016 bei 10.866 Personen) (6).

Blau: Assoziationen, Symbolik und Werbung
Die Farbpsychologie wird heute vor allem für die Werbung und Kennzeichnung von Produkten, Firmen, Organisationen und Parteien genutzt. Eine Zusammenstellung von Beispielen zu den Assoziationen mit der Farbe Blau ist im Folgenden dargestellt (7-9):
 

Seriosität:                            Tech-/Finanz-Branche, IBM, Intel, Facebook, Allianz, LH, Boeing, 
                                              GE, Deutsche Bank, PayPal, VW, Aral, Allianz, VISA, ...

Sicherheit, Frieden:            UNO, Blauhelme, UNESCO, EU, THW, Polizei, OP, u. a.

Sehnsucht, Treue:              Musik, Blues, Literatur

Kühle, Frische:                    Meer, Himmel

Traurigkeit, Melancholie:  blaue Stunde, blaue Blume

Trunksucht, Trunkenheit:  blau sein, blau machen

 
Physik und Psychologie
Die Farbenlehre der antiken griechischen Philosophen war fehlerhaft; so meinte Platon (427-347 v. Chr.), dass Farben durch Sehstrahlen entstehen, die das Auge aussendet (10-12). Den heutigen Vorstellungen näher kam Demokrit (460-371 v. Chr.); nach seiner Theorie lösen sich farbige Bilder vom Gegenstand, um durch die Luft ins Auge und von dort in die Seele zu gelangen, die sie dann erkennt. Aristoteles (384-322 v. Chr.) diskutierte, wie Farben auf den menschlichen Geist einwirken. Den Zusammenhang von Farben und Gefühlen (Farbpsychologie) hat also nicht Goethe entdeckt, sondern nur ausführlicher beschrieben.

Newton entdeckte 1671 durch Prisma-Experimente in Cambridge, dass weißes Licht aus den Spektralfarben zusammengesetzt ist (13-15). Nach Newton besteht Licht aus winzigen Teilchen, die sich mit großer Geschwindigkeit im leeren Raum geradlinig bewegen. Newtons Annahmen kommen den heutigen Vorstellungen nahe. Seine Idee von absolutem Raum und absoluter Zeit wurde allerdings später durch die Relativitätstheorie widerlegt (16-17). Nach Einstein und Planck besteht Licht aus Energiequanten (Photonen) mit der Masse von 0 und Lichtgeschwindigkeit, je nach Betrachtung mit den Eigenschaften einer Welle oder eines Teilchens. Im engeren Sinn sind mit Licht nur die für das menschliche Auge sichtbaren Anteile des elektromagnetischen Spektrums gemeint. Die untere Grenze wird bei Wellenlängen von 360-400 nm (blau), die obere bei 760-830 nm angesetzt (rot). Im weiteren Sinn werden in der Physik auch elektromagnetische Wellen kürzerer Wellenlänge (Ultraviolett, Röntgenstrahlen, gamma-Strahlen) und größerer Wellenlänge (Infrarot, Radar, Radiowellen) hinzugezählt.

Newtons Lichttheorie wurde lange kritisiert, u. a. vehement von Goethe. Goethe sagte in hohem Alter zu Eckermann: „Auf alles, was ich als Poet geleistet habe, bilde ich mir gar nichts ein. Daß ich aber in der Farbenlehre der einzige bin, der das Rechte weiß, darauf tue ich mir etwas zugute.“ (18). Nach Goethe ist weißes Licht nicht zusammengesetzt, Farben entstehen durch Interaktion von Licht und Finsternis. Diese Ansicht hat sich als falsch erwiesen. Goethe entwickelte zusammen mit Schiller einen Farbkreis, in dem Farben bestimmten Bereichen des menschlichen Geistes- und Seelenlebens zugeordnet sind. Dabei beeinflussen Farben Gefühl und Seele. So beeinflusste Goethe die Farbenlehre nachhaltig, obwohl seine physikalischen Annahmen nicht korrekt waren. Seine Beobachtungen zur Wirkung von Farben werden als Beginn der Farbpsychologie angesehen. Der Rückschluss von Lieblingsfarben auf das Wesen einzelner Menschen ist aber irreführend. Dies unterstreicht ein bekannter Sketch von Loriot („Herr Blöhmann - und ihre Lieblingsfarbe?“) (19). Obwohl Goethes Lieblingsfarbe Magenta oder "Pfirsichblüt" war, mochte er wohl auch die Farbe Blau insbesondere als Teil der Kleidung; so ist der blaue Frack das wichtigste Kennzeichen der damals trendigen „Werther-Tracht“ (20-21).

Farbe ist nach DIN 5033 so definiert (22-25): „Farbe ist der Sinneseindruck, durch den sich 
 zwei aneinandergrenzende, strukturlose Teile des Gesichtsfeldes bei einäugiger Beobachtung mit unbewegtem Auge allein unterscheiden lassen.“ Vereinfacht: Farbe ist die einzige Eigenschaft, die es erlaubt, mit dem Auge zwei strukturlose Flächen gleicher Helligkeit zu unterscheiden.

Vom menschlichen Auge werden Licht und Farbe von Foto-Rezeptoren der Netzhaut wahrgenommen. Es gibt in jedem Auge etwa 6 Mio. Zapfen, die bei Helligkeit und Dämmerung die Unterscheidung von 1-2 Mio. Farben ermöglichen, und etwa 120 Mio. Stäbchen, die bei Dunkelheit die Erkennung einzelner Photonen erlauben. Bei den Zapfen haben die Short-Wave-Zapfen (S-Typ) ihre beste Erkennung im Blaubereich, die M-Zapfen (Mittelwellig) im Grünbereich und die L-Zapfen (Langwellig) im Rotbereich (26-28). Der Anteil der blau-empfindlichen S-Zapfen beträgt nahezu konstant 10 % aller Zapfen, die relative Anzahl von M- zu L-Zapfen variiert beträchtlich zwischen 2:1 bis 1:16 (26-28). 
 
 Die Anzahl der Zapfentypen unterscheidet sich bei verschiedenen Tieren teilweise erheblich (29-31)

• 0 Zapfentypen: Wenige nachtaktive Primaten besitzen keine Zapfen; sie sehen nur hell-dunkel.
• 1 Zapfentyp: Einige Säugetiere wie Robben und Wale sind Monochromaten (nur M/Grün-Zapfen);  sie können keine Farben unterscheiden.
• 2 Zapfentypen: Die meisten Säugetiere (Katzen, Hunde, u.v.a.) besitzen zwei Zapfentypen (dichromatisch); der M-Zapfen ist nicht vorhanden, was mit der X-chromosomal-rezessiv vererbten Rot-Grün-Schwäche vergleichbar ist. 
• 3 Zapfentypen: Menschen und einige Primaten verfügen über drei Zapfentypen; sie sind trichromatisch (S, M, L).
• 4 Zapfentypen: Viele Insekten, Spinnen und Vögel sind tetrachromatisch mit einem zusätzlichem UV-Zapfen. Etwa 10% europäischer Frauen sind Tetrachromaten mit zusätzlichem L- oder M-Zapfen, nur wenige können dies aber nutzen.
• 12 Zapfentypen: Der Fangschreckenkrebs hat 12 Zapfentypen, 8 im sichtbaren und 4 im UV-Bereich. Seine beiden auf Stielen sitzenden, sehr beweglichen Sehorgane erlauben einen präzisem Rundumblick, da beide mit 10.000 winzigen Einzelaugen ausgestattet sind, die so raffiniert angeordnet sind, dass jedes der beiden Augen dreidimensional sehen kann.

Philosophie

Ist Blau objektiver, technisch messbarer Teil der Realität, so wie Gewicht und Größe? Im Realismus ist die Farbigkeit von Objekten Bestandteil der Natur und nicht nur Empfindung oder Einbildung von Personen. Farben kann man gemeinsam erfahren, sie gehören zu bestimmten Dingen und sind damit nicht vom einzelnen Beobachter abhängig. Farben erlauben uns eine bessere Orientierung in der gemeinsamen Welt.

Oder ist Farbe nur ein Gefühl – wie Geruch und Geschmack – und daher ausschließlich subjektiv? Im Subjektivismus gehört Farbe nicht zum Objekt, sondern nur zur Person, die Farbe empfindet. Die Welt mit ihren Farben und Düften sei nur ein Schauspiel, das uns das Gehirn vorführt. Diese Vorstellung tendiert zum Radikalen Konstruktivismus, nach dem die Welt nur durch Empfindungen und Gedächtnis in unserem Gehirn konstruiert wird und wir deshalb grundsätzlich keinen Zugang zu Realität und Wahrheit erlangen können.  

Weitere aktuelle philosophische Richtungen wie der Neue Realismus, der Erweiterte Realismus und auch der Neopragmatismus betrachten Realismus und Subjektivismus als verschiedene Betrachtungsweisen auf den beiden o. g. Ebenen, die aber beide zu unserer Welt gehören und die uns beide nützlich sind. Zur Farbwahrnehmung gehören Interaktionen von Objekt, Licht und wahrnehmender Person. Farben sind nicht nur physikalisch und technisch definierbar, sie gehören auch zur subjektiven Wahrnehmung des Individuums und sind somit Resultat von Beziehungen zwischen Person und Umwelt. Farbtäuschungen können „echt“ aussehen, man kann sie aber erklären.
Artikel und Diskussionen zu philosophischen Aspekten von Farben mit weiterer Literatur findet man unter (32-34).
 
Geschichte 
In den antiken Kulturen Griechenlands und Italiens spielte die Farbe Blau lange eine untergeordnete Rolle. So kam es zu der bis heute diskutierten Frage: Waren die Griechen und Römer blau-blind? Literaturhinweise zu den unten genannten Punkten findet man in (34).

• blavus erst spät aus dem Germanischen übernommen
• azureus erst spät aus dem Arabischen übernommen
• im Regenbogen wird Blau nicht beschrieben
• in der Odyssee kommt die Farbe Blau nicht vor?

Blau war die Farbe der Barbaren, z. B. der Germanen

• färben sich blau zur Abschreckung der Feinde (Tacitus)
• färben sich im Alter die grauen Haare mit Indigo (Ovid)
• Frauen der Bretonen färben den ganzen Körper blau, bevor sie sich in Orgien stürzen (Plinius)

In anderen antiken Gesellschaften war Blau hingegen sehr wohl geschätzt (35). Erwähnt sei beispielhaft die Krone der Nofretete, die auch nach 3.300 Jahren noch eine schöne blaue Farbe hat. Sie wurde erstellt mit dem „Ägyptisch Blau“, das aus fein gemahlenem Quarzsand und Kalkstein gewonnen wurde, nachdem es mit Kupfererz oder Bronzespänen und Natron oder Pflanzenasche versetzt und bei > 870 °C für mehrere Stunden gebrannt worden war (36). Heute kann dieses Cuprorivait synthetisch hergestellt (CaCuSi4O10) werden. 
Auch in vielen alten asiatischen Kulturen war und ist Blau beliebt. So ist der blaue Elefanten-Gott Ganesha in Indien bis heute populär (37).  Blau und Lapislazuli gehören im Hinduismus zur 6. Stirn-Chakra, dem Kommandozentrum; sie lösen Ängste und Blockaden. Blaue Elefanten-Skulpturen bestehen oft aus afghanischem Lapislazuli (38). Verehrt wird der Elefant als Garant für Glück und Frieden von Thailand bis China (39). In China wird seit den Hongwu-Ming Dynastien um 1300 Porzellan mit Hilfe von Cobaltdioxid eingefärbt. Später wurde dies in Delft und Meissen aufgegriffen. Cobalt-Blau (Dumonts Blau, Leithners Blau) ist das nach Louis Jacques Thénard 1777 benannte Cobalt-Aluminat (CoAl2O4), das seitdem synthetisch hergestellt werden konnte (40). Zuvor musste es als Pigment aus Zaffer durch Erhitzen von Cobalterzen gewonnen werden. Es diente zur Herstellung von Smalte, einem blauen, feuerfesten Pigment, welches in Ölfarben verwendet wurde (40). Außerdem wurden früher damit Porzellan und Glas blau gefärbt. 

Blau in Stoffen und Kleidung
Segeltuch für Hosen wurde von Genua aus in die USA exportiert. Aus dem französischen Städtenamen „Gênes“ entwickelte sich in Amerika die Aussprache „Jeans“. Der in Franken geborene Levi Strauss fertigte in San Francisco Kleidung für Goldgräber. Dabei wurde das Segeltuch durch den mit Indigo gefärbten Baumwollstoff Denim (aus Nîmes) abgelöst, seitdem werden die blauen Hosen Denim Jeans oder Blue Jeans genannt. Die Idee, Nähte mit Nieten zu verstärken, hatte zuerst der Schneider Jacob Davis. Da er kein Geld für ein Patent hatte, wandte er sich an Levi Strauss, beide meldeten das Patent der Blue Jeans mit Nieten 1873 gemeinsam an. U.S. Soldaten machten Blue Jeans in Europa erst ab 1945 populär; im Jahr 2021 wurden weltweit etwa 3 Mrd. Blue Jeans verkauft (41). 

Seit Jahrtausenden wurde in Mitteleuropa Indigo-Blau aus heimischem Färberwaid gewonnen (42-46). Die grünen Blätter der Waid-Pflanze enthalten Indican, eine Vorstufe des Indigo. Die Blätter wurden einem Zerstampfen, Gären und Verrühren mit Pottasche bei 60°C unterzogen. Durch das Einlegen von Stoffen wurden diese zunächst gelb eingefärbt; erst an Licht und Luft entwickelte sich durch Oxidation der blaue Farbton des Indigo; dieses Indigo war zum Malen schlecht geeignet (Stahl-Blau) und wenig lichtecht. Später wurde Indigo aus dem asiatischen Indigo-Strauch gewonnen, da dieser dreißigmal mehr Indican enthält als Waid. Über Jahrhunderte wurden große Mengen Indigo-Strauch aus Asien nach Europa geschifft. Indigo wurde 1878 erstmals von der BASF synthetisiert. BASF finanzierte diese Entwicklung mit 18 Mio. Goldmark, was den damaligen Gesamtwert des ganzen Unternehmens überstieg.

Blaue Jacken und Mäntel waren in Europa nicht erst seit Goethes „Werther-Tracht“ populär. Seit dem Mittelalter ist Blau die ikonographische Farbe des Marienumhangs, als Symbol für die enge Beziehung der Gottesmutter zum Himmel. Ludwig XIV (1638-1715) trug zur Popularität der Farbe Blau bei, indem er seine Leib-Gardisten mit einer blauen Jacke ausstattete. Die französische Fußballnationalmannschaft der Männer heißt ob ihrer traditionell blauen Trikots bis heute „Les Bleus“; das Blau spielt auch in der Nationalflagge Frankreichs, der Tricolore eine wichtige Rolle, da man das Blau nah am Fahnenmast am besten von allen drei Farben sieht (47). In England ist Royal Blue seit der Krönung von Königin Charlotte 1801 die Farbe des Königshauses. Bei der Krönung von Charles 2023 trugen Prinz William und Prinzessin Kate lange blaue Mäntel (48).

Flora und Fauna
Blaue Blüten sind eher selten, Blätter mit blauem Pigment sind eine Rarität; die wenigen blauen Blätter erreichen Farbe durch Lichtinterferenzen an dünnen Lamellen, die das Spektrum so brechen, dass nur Blau reflektiert wird; ähnlich entsteht die blaue Farbe in aller Regel auch bei Schmetterlingen und Vögeln (s. u.). Zu den Wildblumen mit blauen Blüten zählen Kornblume, Wegwarte, Vergissmeinnicht, Glockenblume, Rittersporn, Veilchen, Traubenhyazinthe, Akelei und einige weitere. Bienen können Rot nicht wahrnehmen, sehr gut aber Bienenblau, eine Mischung aus Violett, Blau und Ultraviolett - für Menschen nicht wahrnehmbar (49). Obwohl Bienen also auf blaue Blüten fliegen, hat sich Blau evolutionär in Fauna und Flora nicht durchgesetzt, da die Produktion des blauen Farbstoffs für Pflanzen sehr aufwendig ist. Dazu braucht es sechs verschiedene Anthocyane und sechs weitere Moleküle, die mit Metall-Ionen eine Verbindung zu einem riesigen Molekülkomplex eingehen (50). Die Gentechnik ist aber dabei blaue Blumen zu erschaffen. Teils ist dies schon gelungen, so gibt es in Japan seit 2017 Chrysanthemen in vielfältigen Blautönen (51). 

Pflanzen haben verschiedene Pigmente entwickelt, blaue aber eher selten (52):

• Chlorophyll macht Blätter grün
• Carotinoide färben Karotten orange, Tomaten rot und Mais gelb
• Betalaine färben Beete rot, usw.

Auch bei Mineralien ist Blau ein Sonderfall: 

• Lapislazuli (Lasurit, Na3Ca[Si3Al3]O12S)
• Azurit (Kupferkarbonat)
• Saphir, Aquamarin, Mondstein
• YInMn-Blau - 2009 aus Yttrium, Indium und Mangan synthetisiert 

Wie funktionieren Farb-Pigmente
Bei der Licht-Absorption gibt das Licht Energie an Materie ab. Dabei geht ein Elektron des Atoms in einen Zustand mit höherer Energie über (Elektronensprung) (53). Der Umkehrprozess ist die Lichtemission, wobei die Energie der Materie abnimmt. Farbpigmente erhalten ihr Erscheinungsbild, indem sie das Licht der Komplementärfarben absorbieren. Beim Photoeffekt von Solarzellen liefert die Absorption von Lichtquanten in einem Halbleiter elektrisch Ladungstrennung und eine Stromquelle.

Das grüne Pigment Chlorophyll im Pflanzenblatt absorbiert rotes, blaues und gelbes Licht und betreibt mit dieser Energie Photosynthese (aus H2O und CO2 entstehen Glukose und O2). Nur Grün wird reflektiert. Der Blau-Anteil ist im Sonnenlicht besonders hoch und wird für die Photosynthese in hohem Maße benutzt. Schattenlicht hat einen hohen Rot-Anteil. Die Annahme, dass Grün in der Natur besonders gut, natürlich und gesund sei (siehe z. B. die Partei „die Grünen“ oder die NGO „Greenpeace“), ist „streng genommen“ falsch, denn ausgerechnet mit grünem Licht können die Pflanzen nichts anfangen, es bleibt ungenutzt und wird nur reflektiert. Für die Photosynthese ist hingegen das im Sonnenlicht reichlich enthaltene blaue Licht herausragend wichtig. Auf der anderen Seite bedeuten uns die grünen Farben von Blättern und Pflanzen aber, dass diese mit dem Rest des Lichts die so wichtige Photosynthese betreiben. Diese Überlegungen deuten an, wie ambivalent man mit Farben und den damit ausgelösten Gefühlen und Vorstellungen umgehen kann.
Viele Blautöne der Natur bestehen gar nicht aus Pigmenten. Blaue Schmetterlinge und Vögel wirken meist deshalb blau, weil ihre Schuppen und Federn dreidimensionale Nanostrukturen aufweisen, die Licht auf eine bestimmte Weise reflektieren oder brechen. Diese „Diffraction of light“ (Beugung/Brechung) geschieht ohne Energieänderung (54). Dabei werden alle Wellenlängen außer den blauen herausgefiltert und nur das Blau wird reflektiert. Ein Beispiel ist der Blaue Morpho-Falter (55-57). Eine sehr seltene Ausnahme ist der Schmetterling Nessaea aglaura (olive wing, Olivenflügel), der in seinem Flügel eine kleine Menge an echtem Blau-Pigment besitzt (56-57).

Warum sind Himmel und Meer blau

Besungen wurden das Blau von Himmel und Meer ungezählte Male, u. a. von Vicky Leandros (L’amour est bleu. Blau, blau so wie das Meer. ESC Wien 1967) (58-59). Im Jahr 2011, also 44 Jahre später haben Vicky Leandros und Scooter das Lied erneut erfolgreich aufgenommen (u. a. 6 Mio. Youtube-Aufrufe) (60). Von diesem Lied gibt es viele Cover-Versionen.
Kurzwelliges Blau wird vom Wasser stärker reflektiert und weniger absorbiert als die anderen Farben (61). Diese Absorption und damit das Blau des Wassers beruhen dabei ausnahmsweise nicht auf der Bewegung von Elektronen, also einem Elektronensprung, sondern auf Schwingungen des Moleküls. Wasser wandelt rot-oranges Licht in Bewegung um (61). Der Rest wird reflektiert und erscheint blau. In einem Glas ist der Effekt zu schwach, um ihn zu sehen. Im tieferen Wasser kann man ihn gut erkennen. Die „Rote“ Hornkoralle ist in 40 m Tiefe bei natürlichem Licht nur blau, im Sonnenlicht oder Blitzlicht aber rot. Mit zunehmender Wassertiefe verschwindet zunächst das rote Licht, dann das orange, gelbe und grüne. Ab einer Tiefe von 50 Metern gibt es nur noch Blau. Ab 200 Metern ist alles dunkel, unter 1.000 Metern wird es schwarz (61). Auch beim Himmel sorgt die kurze Wellenlänge des Blaus für eine häufigere Brechung und Reflektion, wenn es auf die Luftteilchen in der Atmosphäre trifft.

Blaue Augen
[Literatur zu den unten genannten Punkten in (62-64). In der Antike eher mit den germanischen Barbaren assoziiert, heute beliebt.

• Fehlen von (braunem) Melanin durch eine Genvariation
• 7.000 J. v. Chr. frühester Nachweis einer Variation im HERC2-Gen (blaue Augen) 
• Blauentstehung durch Brechung ähnlich wie beim Himmelsblau
• weltweit blaue Augen nur bei 10% der Menschen, in Finnland und Estland aber bei > 90%
• blaue Augen häufiger bei blonden Menschen

Blaue Augen wurden von Heinrich Heine schon im Jahr 1844 besungen (65):

Mit deinen blauen Augen
Siehst du mich lieblich an,
Da wird mir so träumend zu Sinne,
Daß ich nicht sprechen kann.

An deine blauen Augen
Gedenk ich allerwärts; -
Ein Meer von blauen Gedanken
Ergießt sich über mein Herz.

Auch Annette Wynne bewundert blaue Augen in ihrem Gedicht „Blue“ aus dem Jahr 1919 (66):

When God made everything
I'm glad he had a lot of blue -
A great big sky for all the world
And eyes like yours for you.
 

Ein moderne gesangliche Hommage an „Blaue Augen“ stammt von der Band Ideal aus dem Jahr 1981 (67); dort heißt der Refrain: „Deine blauen Augen machen mich so sentimental, so blaue Augen. Wenn du mich so anschaust, wird mir alles andre egal, total egal. Deine blauen Augen sind phänomenal, kaum zu glauben, was ich dann so fühle ist nicht mehr normal.“ Ob Heinrich Heine hier mitgewirkt hat, bleibt unklar.

Farbmischungen
Gemäß der additiven Farbmischung nach Young und Helmholtz werden die drei Primärfarben Rot, Grün und Blau bei Trichromaten addiert (RGB-Monitor), es entsteht Weiß (68-70). Die Empfindung ist Schwarz, wenn die Summe Null ist. Die additive Mischung aus diesen drei Primärfarben bewirken Gelb, Cyan und Magenta (Sekundärfarben). 

Die subtraktive Farbmischung (68-69,71) mit den drei Primärfarben Cyan, Magenta, Yellow (CMY; Druckertinte) entsteht, wenn von einer Lichtquelle Anteile ihres Farbspektrums entfernt (subtrahiert) werden. Der entstehende Farbreiz entspricht dem von der Oberfläche bzw. dem Filter nicht-absorbierten, also reflektierten oder hindurchgelassenen Licht. In der Mitte von drei hintereinandergeschalteten Filtern wird das Licht vollständig absorbiert, so dass sich Schwarz ergibt.
Nach Harald Küppers (72) entstehen durch die Wahrnehmung der drei Urfarben - entsprechend der optimalen Zapfenempfindlichkeit beim humanen Trichromaten - alle acht Grundfarben, die sich in der Malerei nicht durch Mischung anderer Farben herstellen lassen (s. nachfolgende Tabelle). Diese Theorie vereint die additive und subtraktive Theorie der Farbmischungen.

Farb-Illusionen

Bekannte Beispiele von Farb-Illusionen (73) sind die Kindergarten-Illusion, die Cafe Wall-Illusion und die Munker White-Illusion. Eine fantastische Darstellung der Munker White-Illusion findet man unter (74).

Farb-Nomenklatur

Die älteste weitläufig bekannte und lange benutzte Farb-Nomenklatur stammt von Abraham Gottlob Werner (1749-1817), einem deutschen Mineralogen und Geologen von internationaler Bedeutung. Zu seinen Schülern gehörten Novalis, Alexander von Humboldt und Charles Darwin; Werners Nomenklatur von 79 Farben verwendete Darwin zur Farbbeschreibung von Fauna und Flora auf seiner fünfjährigen Weltreise mit der HMS Beagle. Der schottische Pflanzenmaler Patrick Syme erweiterte 1814 Werners Nomenklatur um weitere 31 Farbtöne mit Beispielen aus Zoologie, Botanik und Mineralogie. Ihr gemeinschaftliches Werk ist bis heute im Buchhandel erhältlich (75).

Heute teilt man die Farben meist nach dem hexadezimalen RGB-System ein; dies erlaubt eine Differenzierung von 16.777.216 Farben, von denen der Mensch aber nur 1-2 Mio. unterscheiden kann (76). Die hexadezimalen Farbcodes beginnen mit dem Hashtag #, gefolgt von sechs Buchstaben und/oder Zahlen. Die ersten beiden Buchstaben/Zahlen stehen für Rot, die nächsten beiden für Grün und die letzten beiden für Blau. Die hexadezimalen Farbwerte werden mit Werten von 00 bis FF definiert (entspricht von 0 bis 255 im reinen RGB-Format). Es werden nur zehn Zahlen von 0 bis 9 verwendet, die 6 Buchstaben A bis F bedeuten, dass der Wert größer als 9 ist; d. h. A steht für 11 und F für 15. Insgesamt gibt es für jede Farbe also 16 x 16 = 256 Möglichkeiten. Die hexadezimale Darstellung stammt aus der Informatik und erleichtert die Einteilung; die Rückcodierung auf den reinen RGB-Code ist einfach: z. B. ist ein reines Blau hexadezimal #0000FF und rückcodiert im reinen RGB-System (0, 0, 255). Capri-Blau z. B. ist hexadezimal #00BFFF, was im reinen RGB-System (0, 191, 255) entspricht (d. h. kein Rot, aber deutlicher Grünanteil und volles Blau).
 Das CMY-System mit den Primär-Farben Cyan, Magenta und Yellow wird meist CMYK genannt (77), da speziell für die Drucktechnik noch ein Schwarzanteil hinzukommt; dieser wird als Key=K bezeichnet. Im CMYK-Farbmodell werden die möglichen Werte für jede der vier einzelnen Farben zwischen 0 % und 100 % definiert, wobei 0 % für unbedruckt steht und 100 % für eine Volltonfläche. Zur Umrechnung zwischen RGB und CMYK gibt es Tools im Internet (78).

Malen mit blauen Farb-Pigmenten

Über Jahrtausende wurden blaue Farbtöne vor allem Dingen mit Azurit, Ägyptisch-Blau, Lapislazuli und Indigo gemalt (79). Die Herstellung aller dieser blauen Pigmente war schwierig, zeitaufwendig und kostspielig. Erst ab dem 18. Jahrhundert gelang es, Preußisch-Blau, Kobalt-Blau, Ultramarin, Indigo und zuletzt YInMn-Blau synthetisch herzustellen (s. nachfolgende Tabelle).

100.000 v. Chr.    Menschen malen mit Pigmenten aus rotem und gelbem Ocker 
                               sowie Holzkohle; Indigo eher zur Stofffärbung benutzt

    9.000 v. Chr.     nach jüngsten Funden aus der Türkei wird das blaue Mineral                                                                             Azurit schon damals zu feinem Pulver zermahlen

    2.000 v. Chr.     Babylonier und Ägypter verwenden Lapislazuli
                               zudem Herstellung von Cuprorivait = Ägyptisch Blau

    1706 n. Chr.     Synthese von Preußisch-Blau

    1777 n. Chr.     Synthese von Kobalt-Blau 

    1806 n. Chr.     Synthese von Ultramari

    1878 n. Chr.     Synthese von Indigo

    2009 n. Chr.     Synthese von YInMn-Blau aus Yttrium, Indium und Mangan
                              Oregon-Blue, Mas-Blue, Bluetiful

 Das Fra Angelico-Blau wurde aus Lapislazuli gewonnen. Jenseits des Mittelalters wurde es zur ikonographischen Farbe der Gottesmutter Maria. Der blaue Mantel bei Maria symbolisiert ihre Verbindung zum Himmel (80). Beispiele für den blauen Umhang Marias sind z. B. zu sehen bei Fra Angelico (Madonna mit Granatapfel, um 1440. Prado, Madrid) und bei Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato 1645 (Die Jungfrau im Gebet. National Gallery, London). Später wurde das Lapislazuli-Blau gerne auch in weltlichen Portraits verwendet, so z. B. von Johannes Vermeer im Turban des Gemäldes „Mädchen mit dem Perlen-Ohrring“ (1665, Royal Picture Gallery Mauritshuis); die Familie Vermeer verarmte u. a., weil Lapislazuli damals etwa so teuer war wie Gold und Vermeer sehr viel davon für seine Bilder benötigte (81-82).

Der niederländische Maler Pieter van der Werff (1665-1722) verwendete das 1706 von J. J. Dies in Berlin entdeckte Preußisch Blau für den Himmel und den Umhang Marias (Maria in Wolken, um 1715, Privatbesitz) (83). Berliner Blau = Preußisch Blau [Eisen-(III)-hexacyanoferrat-(II)] wird bis heute in der Histologie genutzt, um Eisen in Zellen nachzuweisen. Nachfolgend führte es auch zur Entdeckung der Blausäure (Cyansäure) (83). Pablo Picasso verwendete in seiner Blauen Periode fast nur Preußisch-Blau (84). Ein Beispiel ist sein „Blauer Akt“ aus dem Jahr 1902 (85).

Der „Blaue Reiter“ war eine Künstlergruppe um Wassily Kandinsky und Franz Marc, die in den Jahren 1911 bis 1914 aktiv war. Die Künstlergruppe war ein wichtiger Wegbereiter der modernen Kunst des 20. Jahrhunderts hin zu Abstraktion und Kubismus. Der Name entstand im Rückblick von Kandinsky wie folgt: „Den Namen Der blaue Reiter erfanden wir in der Gartenlaube: beide liebten wir Blau; Marc - Pferde, ich - Reiter. So kam der Name selbst.“ (86) (mit Marc ist Franz Marc gemeint). Zur Gruppe des Blauen Reiters gehörten neben Wassily Kandinsky und Franz Marc Gabriele Münter, Max Ackermann, Heinrich Campendonk, Alexej Jawlensky, Paul Klee und Alfred Kubin. Wichtige Werke des Blauen Reiters sind der „Reiter“ von Kandinsky aus dem Jahr 1911 und „Die großen blauen Pferde“ von Franz Marc aus dem Jahr 1911. Mit dem Beginn des Ersten Weltkriegs endete der Blaue Reiter.

Blau spielte in der Malerei auch später im 20. Jahrhundert eine wichtige Rolle. So sieht man eine Fülle von verschiedenen Blautönen im Gemälde „Guardians of the Secret“ von Jackson Pollock aus dem Jahr 1943. Hier symbolisiert die Farbe Blau das Geheimnisvolle in meisterlicher Weise (87). 

Yves Klein schuf 1947-1957 mehr als 200 monochrom-blaue Leinwände und Skulpturen; auf der Suche nach der Farbe des Himmels fand er eine matte Version von tiefblauem Ultramarin. Sein Versuch, diesen Blauton als International Klein Blue (IKB als Farbmarke) zu patentieren, scheiterte (88). 

Mark Rothko verwendete oft Ultramarin, Josef Albers Kobaltblau, Gerhard Richter viele Blautöne (89-91). Alle diese Künstler kann man auch mit dem Begriff Farbfeldmaler beschreiben, wobei ihr Werk weit darüber hinausgeht (89-91).

Unerwartet und eher zufällig wurde 2009 ein neues Blau-Pigment synthetisiert, das YInMn-Blau (92). Sein Name setzt sich aus den hier enthaltenen Elementen Yttrium, Indium und Mangan. Das Pigment ist auch unter den Namen Oregon Blue, Mas Blue oder Bluetiful bekannt. Es entstand an der Oregeon State University 2009 durch Manganexperimente des Teams um den Chemiker Mas Subramanian (93). Das YInMn-Blau-Pigment ist temperatur- und lichtbeständig, bleicht weder in Wasser noch Öl aus, ist nicht giftig und vergleichsweise einfach herzustellen. Inzwischen ist es auch als Aquarellfarbe erhältlich, z. B. von Schmincke (94).

Musik: Der Blues

Die Blues-Musik entstand um 1900 aus Folk-, Country- und Gospelkomponenten vorwiegend in den Südstaaten der USA (95-97). Mitgebracht und weiterentwickelt haben die Bluesmusik zunächst die aus Afrika stammenden Sklaven. Der Blues folgt einer pentatonischen Tonleiter, einer der ältesten musikalischen Skalen, die in vielen außereuropäischen Kulturen wie in Afrika und Indien seit mehr als 5.000 Jahren benutzt wird (95-97). Die pentatonische Tonleiter besteht nur aus fünf Tönen, wobei im Beispiel des C-Dur die Töne F und H fehlen. Die Blues-Tonleiter entwickelte sich aus der pentatonischen, indem - am Beispiel des C-Dur - die kleine Terz als Blue-Note hinzukam. Alternativ oder zusätzlich kann man weitere Blue-Notes hinzufügen. Die Blue-Notes sind Töne, die so im klassisch-europäischen Musikschema nicht definiert waren; später wurden sie formalisiert als Halbtonschritte, die eigentlich den westlich-tradierten Klassik-Schemata von Dur und Moll nicht entsprachen. Die Geschichte des Blues ist nachzulesen im Buch von Carl-Ludwig Reichert (98). Eine prägnante Besprechung dieses Buches stammt von Lutz Hagestedt und ist mit „Blues - Mutter aller Popmusik“ betitelt (99). Dort wird das Geheimnis des Blues beschrieben als die „Spannung zwischen dem relativ starren Taktgefüge, dem festen Wechselverhältnis der Harmonien und der ‚Blue Notes‘, den Zwischentönen, die neben der individuellen Farbe und den Rhythmen den eigentlichen Reiz des Blues ausmachen.“ Die Blue Note sei für den Blues das, „was der ‚unreime‘ Reim für die Lyrik bedeutet: die überraschende, nicht erwartete und zugleich erwartbare, die vielleicht nicht 'korrekte' und doch zulässige, ja erwünschte Abweichung von der Regel, die der Harmonik und Melodieführung Spannung und Relief verleiht.“ (99). Es heißt weiter: „Wie alle große Musik ist der Blues einfach, und genau das macht es ‚so schwierig, ihn einfallsreich und interessant zu spielen‘. Wie Bach - Anfang und Ende aller Musik - ist er nicht selten 'schematisch', dadurch aber auch offen für Variationen aller Art. Dies führt nicht zuletzt in 'verwandte' Stilrichtungen, wie Boogie, Rhythm & Blues, Dixieland, Skiffle, Blues-Rock, Jazz, Free-Jazz, Soul, Hip-Hop und sogar Rap.“ (99)

Das Standard-Schema ist der 12-taktige Blues (97,100-101). Die erste Lied-Zeile umfasst vier Takte; sie wird in den nächsten vier Takten wiederholt, bevor die abschließende Zeile in den letzten vier Takten erfolgt. Das Schema basiert auf den Akkordfolgen der I. Stufe Tonika, der IV. Stufe Subdominante und der V. Stufe Dominante. Auf vier Takte Tonika folgen je zwei Takte Subdominante und Tonika, je ein Takt Dominante und Subdominante und wieder zwei Takte Tonika. Als drittletzter Akkord kann statt der Subdominante auch die Dominante gespielt werden. Dieses Schema wurde im Laufe der Zeit erweitert und modifiziert.

Obwohl Standard und Schema des Blues von dem schwarzen „King of Blues“, B. B. King beschrieben wurde (103), gibt es in der Literatur immer wieder Kritik an den skizzierten Blues-Definitionen, die theoretischen Überlegungen alter weißer männlicher Akademiker entsprächen. Dies gipfelt in der Überlegung, ob Menschen mit weißer Hautfarbe überhaupt Blues singen und spielen können (102). 

Weitere Blue-Notes kann man teils nur ungenau zwischen zwei Ganztonnoten einordnen. Blues funktioniert deshalb auch eher durch das Ziehen von Noten zwischen zwei Tönen; diese ist auf vielen Tasteninstrumenten wie dem Klavier nicht möglich, sehr wohl aber auf Saiten- und Blas-Instrumenten sowie in der perfekten Form mit der menschlichen Stimme. 

Viele Bluessongs besingen auch im Text den Blues mit seiner Traurigkeit, Melancholie und Sehnsucht. Ein bekanntes Beispiel stammt von Arethra Franklin aus dem Jahr 1960 (104); sie gilt nach der Zeitschrift „Rolling Stone“ bis heute als beste Sängerin aller Zeiten (jenseits der klassischen Musik) (105). Ein Textauszug aus dem Song lautet:
“Without a word of warning, the blues walked in this morning and circled around my lonely room.
 I didn′t know why I had that sad and lonely feeling until my baby called and said we we're through. 

For yesterday, this time I sang a love song but today, I′m singing the blues.” (104).

Die Entwicklung des Blues und seine Bedeutung für die weitere Entwicklung der nicht-klassischen Musik kann man an berühmten Liedbeispielen nachvollziehen wie z. B. den Songs „House of the Rising Sun“ und „Little Girl Blue“. Das “House of the Rising Sun” war wohl ein Bordell in New Orleans, erstmals erwähnt in der „Louisiana Gazette“ im Jahr 1821. Der Folksong entstand um 1910; inzwischen gibt es mehr als 400 (Cover-) Versionen, z. B. von:

• Clarence Ashley 1933 
• Leadbelly 1945 
• Woody Guthrie 1945
• Pete Seeger 1958
• Joan Baez 1960
• Johnny Hallyday 1961 
• Nina Simone 1962 
• Bob Dylan 1962
• Marianne Faithful 1964
• Animals 1964
• Tim Hardin 1967
• Jimi Hendrix 1970 
• Frijid Pink 1970
• Beatles 1975
• Tracy Chapman 1990
• Sinéad O’Connor 1994 

Die meisten Leser werden unter dem Lied die Version der Band „The Animals“ aus dem Jahr 1964 verstehen; fast alle berühmten Blues- und Folk-Sänger und -Sängerinnen haben eine eigene Version eingespielt (Beispiele in obiger Liste) (106). Die älteste akustisch dokumentierte Version wurde von  

Clarence Ashley & Gwen Foster 1933 aufgenommen (197). Auch Bob Dylan hat dieses Lied gesungen; in seiner Version kann man besonders gut verstehen, wie wenig es darauf ankommt, ob die Tonhöhe stimmt und ins Schema passt. So heißt es in einer Besprechung eines aktuellen Films über den jungen Bob Dylan (108): „Wenn es um Bob Dylans Stimme geht, gibt es zwei Lager: die, die sie nicht mögen. Und die, die sich mit ihr arrangiert haben. Der Soul-Sänger Sam Cooke hat 1963, nachdem er «Blowing in the Wind» gehört hatte, angeblich gesagt: Von nun an kommt es nicht mehr darauf an, wie schön eine Stimme ist – sondern nur noch, ob man ihr glaubt, dass sie die Wahrheit sagt.“

Die Bluestonleiter ist ein schematischer Versuch, sich dem beabsichtigten Klang anzunähern bzw. den Klang in Art einer Tonleiter darzustellen. In der musikalischen Praxis gibt es verschiedene Wege, sich diesem Ideal zu nähern. Die menschliche Stimme erlaubt es, die Tonhöhe über etwa vier Oktaven nahezu beliebig anpassen. Aber auch auf vielen Instrumenten ist es möglich, Töne außerhalb des chromatischen Schemas zu erzeugen. So eignet sich die Gitarre besonders gut, den gegriffenen Ton zu ziehen und dadurch dessen Tonhöhe zu verändern. Auch auf der Mundharmonika lassen sich die Tonhöhen der Blue-Notes anpassen. Hier ist Bob Dylan ebenfalls ein prägendes Beispiel.

Ab 1930 hat sich der Jazz aus dem Blues entwickelt, wobei die Übergänge fließend sind. Auch im Jazz werden die Töne oft “gezogen”; ein berühmtes Bespiel ist der Song „Mood Indigo“ von Duke Ellington aus dem Jahr 1930 (109). Dieser Song soll später den Namen der Band „Moody Blues“ beeinflusst haben.

Der Song „Little Girl Blue“ (Musik von Richard Rodgers, Text von Lorenz Hart) stammt aus dem Jahr 1935; er gibt viele Cover-Versionen; die schönsten Versionen stammen m. E. von Nina Simone aus dem Jahr 1958 und von Janis Joplin aus dem Jahr 1969 (110-111); in den Videos (110-111) kann man wahrnehmen, wie sich aus Folk und Blues Soul, Pop und Rock entwickelten. Hier aus “Little Girl Blue” eine Strophe, die Blues und Blue besingt: 
“Sit there, count your fingers. What else, what else is there to do? Honey, I know how you feel. I know you feel that you're through. Sit there, count your little fingers. My unhappy, oh, little girl, little girl blue.“ (110-111).
Wie wenig auf der Gitarre die Theorie von halben und ganzen Tönen seit dem Blues eine Rolle spielt, zeigt sich beispielhaft am Gitarrensolo von Jimmy Page (112) (Led Zeppelin. Stairway to Heaven. Madison Square Garden NY, 1973). Hier entscheiden Stimmung und Seele, wobei das Solo auch so komplex ist, dass es an eine klassische Fuge von Bach erinnert (112). Zudem wird m. E. auch die Unterscheidung von „wertvoller Klassikmusik“ und „billiger Popmusik“ ad absurdum geführt.

Bis heute sind „Blue“ und „Blues“ in der Musik wichtige Themen. Ein aktuelles Bespiel ist der weltweit erfolgreiche Song „Blue“ von Billie Eilish aus dem Jahr 2024 (113), wobei man hier den Musikstil noch kaum einordnen kann.

Lyrik und Literatur
Goethe verkörperte die Klassik und verachtete die Romantik: „Um zu begreifen, daß der Himmel überall blau ist, braucht man nicht um die Welt zu reisen.“ (114). Trotzdem leitete sein Werther-Roman mit dem blauen Frack die Romantik ein – mit der Melancholie, dem Streben nach Unendlichkeit und der Farbe Blau. Später wurde dann die Blaue Blume zum zentralen Symbol der Romantik (115). Reale Vorbilder der blauen Blume sind vor allem Kornblume und Wegwarte. Als Dichter-Beispiele seien Novalis und Eichendorff genannt:
„…fern ab liegt mir alle Habsucht: aber die blaue Blume sehn’ ich mich zu erblicken.“ (Novalis, 116)

„Ich suche die blaue Blume, Ich suche und finde sie nie.“ (Eichendorff, 117)

Die Romantik endet mit Heinrich Heine; sein Gedicht „Die Welt ist so schön und der Himmel so blau“ 
sei hier genannt (Text s. u.) (118). Auch er zitiert Goethes Bemerkung zum blauen Himmel, wobei der Schluss des Heine-Gedichtes keine romantische Ironie mehr ist, sondern ein düsterer Abgesang auf diese Epoche. Auch im Symbolismus und Ästhetizismus wird das Blau des Firmaments angesprochen, beispielhaft erwähnt ein Gedicht von Stefan Georges Gedicht aus dem Jahr 1895 (119); es beginnt mit diesen Zeilen: 
 Komm in den totgesagten park und schau:
 Der schimmer ferner lächelnder gestade
 Der reinen wolken unverhofftes blau.
 
Auch im 20. Jahrhundert, im Realismus und in der Moderne spielt die Farbe Blau eine Rolle in der Lyrik: bespielhaft sei das Rilke-Gedicht „Die blaue Hortensie“ genannt (120). Es erscheint mir schwierig, Rilke einer bestimmten Epoche zuzuordnen; im Gedicht zur blauen Hortensie ist keine Metapher romantisch, symbolbeladen oder schwülstig, alle Metaphern sind zeitlos perfekt. 

Trotz Goethes eher abfälliger Bemerkung zum blauen Himmel, bleibt der blaue Himmel bis heute Thema von Literatur und Lyrik. Zahlreiche weitere deutsche und englische Gedichte zur Farbe Blau sind im Folgenden zu lesen und im Kapitel zur Farbe „Blau“ mit Bildern und Texten auf meiner Homepage sowie im Buch von Gabriele Sanders (121).

Die deutsche Sehnsucht nach dem mediterranen Blau, der Côte d’Azur, beschreibt Friederike Kemptner mit einfachen, aber trefflichen Worten (Text s. u.) (122). Selbst der sonst oft expressionistisch düster schreibende Georg Heym hat dem Blau 1911 ein wunderschönes Gedicht mit dem Titel „Träumerei in Hellblau“ gewidmet (Text s. u.) (123). Nur einige Jahre später schrieb Sara Teasdale ihr Gedicht „Blue Squills“, eine Hommage an Blau und Weiß (Text s.u.) (124). Unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg lautet der erste Gedichtband von Friederike Mayröcker „Blaue Erleuchtungen“ (125); hier wird in erneuter Anknüpfung an Goethe trotz der schwierigen Zeiten der blaue Himmel thematisiert. Kritisch mit der Naturlyrik geht Alfred Andersch um, wenn er schreibt „Empört Euch, der Himmel ist blau.“ (126). In erneuter Anknüpfung an Goethe und Andersch schreibt Hans Magnus Enzensberger 2003: „Der Himmel ist blau. Damit ist alles gesagt über den blauen Himmel“ (127), um nur einige Jahre später einen ganzen Gedichtband „Blauwärts“ (128) zu titeln. Auch der Lyriker Rolf Dieter Brinkmann hat 1970 ein Gedicht geschrieben, welches mit dem Statement beginnt „der Himmel ist ganz blau“; es endet mit einer kleinen weißen Wolke (129).  In diesem Zusammenhang ist erwähnenswert, dass unter den zahlreichen Wolkenbildern von Gerhard Richter nur ein einziges den Titel „Himmel“ trägt (130), obwohl viele seiner Wolkenbilder auch vom Blau des Himmels leben.

Glücklicherweise haben wir wunderbare zeitgenössische Lyriker wie z. B. Jan Wagner und Jan Röhnert, die sich vor allem mit der Natur beschäftigen. Bei der Vorbereitung des Themas „Blau“ habe ich den Gedichtband von Jan Röhnert mit dem Titel „Breughels Affen“ durchstöbert und bin in den etwa 60 Gedichten mehr als zwanzigmal auf die Farbe Blau gestoßen. Seine Verse berühren viele Aspekte meiner Beschäftigung mit der Farbe Blau - insbesondere, wenn es im Gedicht „Bonjour“ heißt (131): 

„Die Möglichkeit, die Leere auszumalen
mit Blau und einer Farbe ohne Namen;
die sich erst im Vertrautsein zeigt. Es kann
sich nur im Traum ereignen, und dort bleibst du
mir fremd aber nah, als hättest du einmal Hallo gesagt."

Enzensberger schreibt in „Blauwärts“ (128): „Hinter der Nebelwand im Gehirn gibt es noch andere Gegenden, die blauer sind, als du denkst.“ - und Röhnert schreibt von „Blau und einer Farbe ohne Namen;“ (131). Tatsächlich gibt es wohl Farben, die bisher kein Mensch gesehen hat, die aber unter Umständen sichtbar gemacht werden können. 
Am 18. April 2025 erschien im anerkannten Wissenschaftsjournal Science Advances ein Artikel, der beschreibt, wie es mit dem Computer-Lasersystem OZ gelingt, eine neue Farbe durch selektive Stimulation der M-Zapfen sichtbar zu machen (132). Dabei wurden mit Hilfe aufwendiger Techniken 1000 M-Zapfen in der Retina identifiziert und kartiert. Unter normalen Umständen werden alle drei Zapfentypen (S, M, L) durch Licht im für den Menschen sichtbaren Spektrum gleichzeitig angeregt – wenn auch in unterschiedlicher Intensität (S mit einem Maximum im Blaubereich, M im Grünbereich und L im Rotbereich); es ergibt sich also stets ein Mischbild aus der Stimulation der drei Zapfen. Theoretisch müssten durch selektive Anregung einzelner Zapfentypen deshalb neue Farben wahrnehmbar werden. Dies ist nun wohl erstmals gelungen, indem die identifizierten M-Zapfen selektiv durch Laserlicht stimuliert wurden - ohne gleichzeitige Stimulation der S- und L-Zapfen (132). Wahrgenommen wurde ein tief-gesättigtes Blau-Grün. Diese Farbe mit dem Namen „OLO“ (COLOR; ohne die außenliegenden Buchstaben/Zapfen) haben bisher nur die fünf Teilnehmer des Experiments gesehen (132). 

Auch im Blau begegnen sich also Fiktion und Wirklichkeit, ähnlich wie es Markus Gabriel beschreibt: 
 „Es gibt keine Wirklichkeit ohne Fiktion, und keine Fiktion ohne Wirklichkeit" (133). 

Gedicht-Texte

Die blaue Blume

Ich suche die blaue Blume,
Ich suche und finde sie nie,
Mir träumt, dass in der Blume
Mein gutes Glück mir blüh.

Ich wandre mit meiner Harfe
Durch Länder, Städt und Au'n,
Ob nirgends in der Runde
Die blaue Blume zu schaun.  

Ich wandre schon seit lange,
Hab lang gehofft, vertraut,
Doch ach, noch nirgends hab ich
Die blaue Blum geschaut.

Joseph von Eichendorff, 1818

 

 Die Welt ist so schön und der Himmel so blau,
 Und die Lüfte die wehen so lind und so lau,
 Und die Blumen winken auf blühender Au’,
 Und funkeln und glitzern im Morgenthau,
 Und die Menschen jubeln, wohin ich schau’, –
 Und doch möcht’ ich im Grabe liegen,
 Und mich an ein todtes Liebchen schmiegen.

Heinrich Heine, 1822. 
Buch der Lieder. Lyrisches Intermezzo XXXI.

Der Himmel ist blau

Der Himmel ist blau,
Die Erde so grün,
O laß uns ein wenig
Nach Süden hin ziehn!
 
Dort blühet die Myrte,
Orangen sind frisch,
Dort decken die Blüten
Dir freundlich den Tisch.

Friederike Kempner, 1903

Blaue Hortensie

So wie das letzte Grün in Farbentiegeln
sind diese Blätter, trocken, stumpf und rauh,
hinter den Blütendolden, die ein Blau
nicht auf sich tragen, nur von ferne spiegeln.
   
Sie spiegeln es verweint und ungenau,
als wollten sie es wiederum verlieren,
und wie in alten blauen Briefpapieren
ist Gelb in ihnen, Violett und Grau;
 
Verwaschenes wie an einer Kinderschürze,
Nichtmehrgetragenes, dem nichts mehr geschieht:
wie fühlt man eines kleinen Lebens Kürze.
 
Doch plötzlich scheint das Blau sich zu verneuen
in einer von den Dolden, und man sieht
ein rührend Blaues sich vor Grünem freuen.
 
Rainer Maria Rilke. 1906, Paris.
 

Träumerei in Hellblau

Alle Landschaften haben
Sich mit Blau gefüllt. Alle Büsche und Bäume des Stromes,
Der weit in den Norden schwillt.

Blaue Länder der Wolken,
Weiße Segel dicht,
Die Gestade des Himmels in Fernen
Zergehen in Wind und Licht…

Georg Heym, 1911.
 

Blue Squills
 

How many million Aprils came
    Before I ever knew
 How white a cherry bough could be,
    A bed of squills, how blue. 

Sara Teasdale, 1918. 1. Strophe des Gedichts

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Blautöne der Hornveilchen und Stiefmütterchen im Garten 2025.